Qui n’a pas frémi en découvrant Berghain. le premier missile envoyé vers nous, pauvres mortels. Pensez-donc ! Avec cette ouverture frénétique de violons qu’on croirait tirée de « L’Hiver » de Vivaldi, puis l’entrée de ce choeur d’opéra allemand s’effaçant pour laisser place à la voix de soprano de Rosalía en mode lyrique, en allemand une nouvelle fois, on n’est vraiment pas en terrain connu. Suit un couplet en espagnol cette fois-ci, puis l’apparition en mode intervention divine de Björk, référence évidente, role model absolu pour l’artiste catalane, avant un final sidérant mettant en scène l’artiste avant-garde américain Yves Tumor qui clame une phrase tirée d’un délire de Mike Tyson « I’ll fuck you till you love me » sur des beats électro impitoyables. Il est d’ailleurs aisé d’imaginer une rythmique techno sur ce morceau, et je suis persuadé qu’elle en entendait les beats dans sa tête en composant Berghain mais elle a eu l’intelligence et la retenue de ne pas les enregistrer. En moins de trois minutes, l’univers complètement inédit créé par Rosalía souffle tout auditeur. On se demande ce que ce truc peut bien être et après trois écoutes, cette construction pour le moins baroque s’impose comme quelque chose de vital, d’incroyablement accrocheur, en trois mots de la pop. Rosalía clame à qui veut l’entendre que « LUX » est un album de pop, et nous rappelle que contrairement au rock, la pop est une musique vouée à être aventureuse, à tout oser. Et si elle n’a pas cette fois-ci décliné une pop chargée de dopamine comme dans « MOTOMAMI » (voir à ce titre la SOTW #239, SAOKO), elle a pourtant su créer une musique empreinte de spiritualité, exigeante, risquée, sur le papier parfaitement anti-commerciale et pourtant si universelle et si accrocheuse. A 33 ans, Rosalía s’est tout simplement imposée comme une musicienne, une compositrice et une interprète faisant partie de l’Olympe de la pop, au même titre que des figures tutélaires comme Björk ou David Bowie. Pas moins.

Le clip, on s’en serait douté, est à la hauteur. Réalisé par Nicolàs Méndez du collectif barcelonais Canada (qui a dirigé et esthétisé la plupart des clips de Rosalía tels ceux de Malamente ou de Pienso en tu mirá (SOTW #170), il colle à la rétine du spectateur autant que la chanson pénètre le cerveau de l’auditeur. En quelques scènes choc où Rosalía s’acquitte de tâches domestiques (repasser, aller passer des examens médicaux, se déplacer dans la rue…) flanquée d’un groupe de musiciens classiques qui ne la lâche pas d’une semelle, le réalisateur parvient à installant une ambiance surréaliste et oppressante bourrée de multiples références à la peinture renaissance, à Walt Disney ou à l’artiste contemporaine Pilar Albarracín, le tout fourmillant d’allégories religieuses. Il illustre le propos opaque de Berghain, titre du nom du mythique et labyrinthique club berlinois, au texte polyglotte évoquant une emprise existentielle et amoureuse (d’un dieu, d’un amant, on ne se prononcera pas). Du grand art.

« LUX » est un album qu’il faut écouter de A à Z, dans l’ordre, à l’ancienne mais aussi comme un opéra. Et l’écoute complète en révèle le sens. En isoler un extrait s’avère tâche difficile même si Berghain et le mutin La Perla (règlement de compte sous forme de valse mexicaine avec classe et humour avec son ex, dont la rupture d’avec icelui semble avoir été un moment difficile pour Rosalía) sont sortis en singles qui rencontrent un immense succès. Le début de l’album est l’un des plus costauds qui nous ait été soumis depuis longtemps… En quatre morceaux invraisemblables, Rosalía décline une vision progressiste unique de la pop qui fera école, forcément. Sexo, Violencia y Llantas, Reliquia, Divinize et Porcelana sont quatre tours de force enchaînés sans temps mort. Si Reliquia (autre single potentiel) compte parmi ses créateurs l’ex-Daft Punk Guy-Manuel de Homem-Cristo, cette chanson foisonnante se rapproche du Jóga de Björk (extrait de son immarcescible chef d’oeuvre « Homogenic » sorti en 1998 et qui mêlait lui aussi cordes et beats électroniques) en faisant tonner en fin de cette jolie ballade un renversant orage de percussions électroniques aussi inattendu que libérateur. On peut aussi citer la bouleversante Memoria où la Catalane s’aventure en portugais dans le fado avec Carminho, figure du renouveau du genre lisboète. Enfin, je vous conseillerai d’acquérir une version physique de l’album, LP ou CD, car on y trouvera trois chansons qui ne sont pas disponibles sur la version streamée, toutes de très haute tenue, dont ce Jeanne composé en français (avec l’aide de Charlotte Gainsbourg pour le texte). Avant une tournée qui promet d’être sensationnelle et qui démarrera le 16 mars 2026 à Lyon, après cet album définitif, on peut se demander où se dirigera Rosalía en étant très confiant, l’aventure en sa compagnie étant, dans la durée, aussi incroyable que passionnante.

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C’est la lecture d’une brève sur le fil des Inrocks qui m’a conduit à prêter une oreille à SWEAT, la seule chanson disponible à ce jour d’un groupe appelé the Sophs. Comme le disaient les Inrocks, le rapprochement avec the Strokes n’est pas fortuit. Après une fausse intro avec boite à rythmes branlante et bruit blanc s’installe une rythmique mid tempo tranquille, répétitive mais tendue avec basse ronde, un motif de guitare lancinant et mélodique qui pourrait être joué au synthé, des contrepoints aux claviers et à la guitare acoustique et surtout cette voix cool de crooner juvénile, un peu bancale mais garante d’une émotion brute. Tout cela évoque aussi bien Hard to Explain, chef d’œuvre romantique du premier album des Strokes que The Adults are Talking pièce maîtresse ouvrant le dernier effort des New-yorkais « The New Abnormal », construisant ainsi une arche entre 2000 et 2020. Puis, après un passage sans batterie avec chœurs angéliques` qui répondent en falsetto surgit une reprise du refrain comme un coup de boutoir avec la voix étranglée passée à l’octave supérieur et des riffs rageurs de guitare saturée, avant une fin brutale, comme si on avait coupé le courant. Ça parle du deuil consécutif à une rupture amoureuse, et c’est aussi vital que mélancolique. L’essence de la pop, pas moins. « Sweat yourself » est donc une façon plus soft de dire « Go fuck yourself ». L’effet, c’est un euphémisme, est maximal et cette chanson m’obsède littéralement, je me la passe et me la passerai en boucle jusqu’à plus soif, et ce ne sera pas pour demain…

Quels chemins a t-il fallu emprunter pour savoir quel est ce groupe ! C’est en se rendant sur leur Instagram qu’on en apprend un peu plus. Le chanteur et porte-parole de la bande se nomme Ethan Ramon et il a eu la bonne idée d’envoyer une démo de son groupe par mail au label londonien Rough Trade, label dont les patrons Geoff Travis et Jeannette Lee ont, et c’est peu dire, des oreilles en or. Rough Trade a été en effet la maison des Smiths avant d’être celle de Jarvis Cocker (et dorénavant celle du Pulp ressuscité), de Amyl & the Sniffers, de Sleaford Mods et de Parquet Courts, entre autres. Enfin, ce sont eux qui avaient signé un quintet new-yorkais inconnu sur la foi d’une seule écoute de la démo d’une chanson en 1999,  The Modern Age, premier single des Strokes, et donc paru chez Rough Trade, label sexy par excellence, bien entendu… Sur le site du label, Travis et Lee avouent avoir été bluffés par la démo qui leur avait été miraculeusement envoyée depuis Los Angeles. Heureuse coïncidence, Jeannette Lee était à LA et est allée se rendre compte du potentiel de the Sophs en allant les voir jouer dans un bar. Son instinct ne l’avait pas trompée, le concert corrobora sa première impression. Rough Trade a donc été immédiatement séduit par l’honnêteté brutale de the Sophs, leur pensées flamboyantes et l’ampleur de leur spectre musical, mêlant créativité et variété. Sans parler de leur côté « Ne me demandez pas de faire joli ». Donc attendons-nous pour la suite à du pop-punk pénétrant, du funk incandescent et à un « sprachgesang » porté par la voix décidément séduisante d’Ethan Ramon, lequel clame vouloir voler, plagier et emprunter, pour qu’à la fin sa musique sonne d’une façon incroyable. 

Quand on y pense, à l’heure des enregistrements dans sa chambre et des notoriétés gonflées sur les réseaux sociaux, the Sophs vivent un conte de fées à l’ancienne. Avec voyage à Londres pour la signature du contrat, séance de photos pour illustrer la pochette du single et tournage d’un clip déjà culte. Une première tournée suivra, sur la côte ouest US, à New York puis pour quelques dates européennes (dont celle au Supersonic à Paris le 8 septembre). Ce genre d’histoire n’a pas été racontée depuis… the Strokes ou Arctic Monkeys. Alors peut-être délire t-on en imaginant un destin stellaire à ces six garçons californiens, mais l’aventure de the Sophs est si sexy et finalement si atypique aujourd’hui qu’on a hâte d’en découvrir la suite !

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Suede est un groupe qui a connu plusieurs vies. La première, indiscutablement la meilleure, vit le groupe du sud de Londres devenir le « hot ticket » de la presse britannique en 1992, quand ils devinrent la promesse d’un retour du rock à guitares à panache outre-Manche, à un moment où tout le monde là-bas semblait avoir revendu ses six-cordes et amplis pour acheter des synthés et des ordinateurs. Trait d’union entre le grunge américain et la future britpop, Suede se positionnait comme une alternative séduisante, nourrie par les Smiths et par Bowie et proposait un duo de leaders et d’auteurs-compositeurs impeccables en les personnes du fabuleux guitariste et arrangeur Bernard Butler et du chanteur androgyne à l’impressionnante tessiture Brett Anderson. Le premier album fit un carton (Animal Nitrate, un de ses hymnes, est la SOTW #64). Le second « Dog Man Star » est un chef d’œuvre absolu, follement ambitieux et démesuré dont l’accouchement se fit dans la douleur et conduisit à la brouille fatale entre les deux leaders, Bernard Butler débranchant sa guitare en 1994.

En recrutant le jeune guitariste Richard Oakes (seize ans à l’époque) et le claviers Neil Codling, Anderson flanqué de sa section rythmique composée de Mat Osman (basse) et Simon Gilbert (batterie) mit en place Suede 2.0 et en fit un groupe d’une rare efficacité pop comme le démontre l’album « Coming Up » en 1996. Comprenant une collection de tubes imparables comme Trash, Filmstar ou la merveilleuse ballade Saturday Night, il souffre d’une production métallique sonnant un peu datée, mais l’album reste toutefois hautement recommandable aujourd’hui. S’ensuivirent des excès hédonistes et des périodes de contrition qui donnèrent des disques plus inégaux (« Head Music ») voire complètement anodins (« A New Morning », très blême) qui conduisirent au split du groupe en 2003. Brett Anderson se lança dans une carrière solo très confidentielle, tâtant d’une folk acoustique très pastorale aux antipodes de ses extravagances avec Suede. Une reformation pour un concert en 2010, un nouvel album très réussi « Bloodsports » en 2013 célébrant les retrouvailles du groupe avec le producteur historique Ed Buller replacèrent Suede au centre de la chose pop rock. Avec en plus cette touche de nostalgie qu’éprouvent tous ceux qui se voient replongés dans leurs jeunes années de fan, la mélancolie diffuse émanant des mélodies et de la voix de Brett Anderson n’y étant pas pour rien.

Après deux albums plus sophistiqués avec thèmes sombres et arrangement orchestraux (What I’m Trying To Tell You est la SOTW#88), le fringant quintette de quinquas a tourné le hit album « Coming Up » sur les scènes du monde entier, de quoi redonner à Anderson de saines envies d’électricité et d’émotions directes, qui se concrétisent tout au long du tout récent « Autofiction ». Banger qui ouvre l’album, She Still Leads Me On évoque paradoxalement la mère de Brett Anderson, décédée alors qu’il était très jeune. Sans aucun pathos mais avec une émotion très crue, il raconte combien le souvenir de sa mère l’inspire et l’aide à certains moments de sa vie, lui insuffle une énergie créatrice. Un riff de guitare en arpège, un contrepoint en saccades punk, une basse mélodique et une batterie volubile donnent le ton d’une chanson très traditionnellement bâtie: couplet, pont, refrain, couplet, pont, refrain, chorus, refrain shunté. Le tout à bride abattue, avec une mélodie vocale infectieuse surtout pendant le pont si énergique et des giclées de larsen mal peignées pour dynamiser le tout. Dire que ça fonctionne est un piètre euphémisme, tant la chanson et ses arrangements restent vissés dans votre cervelle. Si l’autofiction est un genre littéraire en soi, elle trouve avec Suede une incarnation musicale. En revisitant le style pop glam scintillant qu’ils personnifiaient à l’époque de « Coming Up » mais en l’observant avec leurs yeux de musiciens de cinquante ans, Suede met en musique une mise en abyme jamais ringarde ni hors de propos. Ainsi,That Boy On The Stage, Personality Disorder et 15 Again, irrésistibles bangers ressuscitent le Brett Anderson de 1992 sans jamais sombrer dans la parodie. Avec What Am I Without You ?, les musiciens de Suede prouvent une fois encore qu’ils sont orfèvres en ballades émotionnelles et nerveuses. Le reste de l’album est au niveau. Les amateurs de pop rock flamboyant seront bien inspirés de ne pas passer leur chemin…

Live Bruxelles 2022 :

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Je n’ai pas eu le loisir d’aller à l’un de ces concerts, mais ceux-ci semblent assez calqués sur ceux donnés en 2018 (j’avais assisté à celui des Nuits de Fourvière, la chronique est ici), mêlant adroitement brûlots électriques à la folle énergie rock souvent issus du début de la carrière du quatuor de Sheffield, les tubes pop millimétrés de leur carton de 2013 « AM », quelques beaux exemples de la lounge pop théâtrale et sophistiquée expérimentée dans le révolutionnaire « Tranquility Base Hotel + Casino » et une pincée de chansons obscures destinées à faire frémir les fans les plus hardcore (cette fois-ci, au tour de Potion Approaching, de « Humbug » et de That’s Where You’re Wrong, la merveille qui clôt « Suck It And See » de se voir ainsi dépoussiérées). Ah oui, les concerts auront souvent commencé par Do I Wanna Know ? (reconnaissons-le, l’une des meilleures chansons pour lancer un show) et le dernier morceau du rappel aura invariablement été le rageur et fédérateur R U Mine ? Quid des nouveautés se demandera le fan un peu exigeant ? Arctic Monkeys auront attendu quelques dates pour dégainer un premier extrait de « The Car », I Ain’t Quite Where I Think I Am. Selon les petits films Instagram ou YouTube consécutivement postés, cette chanson solidement funky avec guitare wah-wah de rigueur évoque irrésistiblement la période plastic soul de Bowie, ce qui est loin de me déplaire ! Mais comme les voies choisies par Alex Turner sont impénétrables, ce n’est pas cette chanson qui sera envoyée comme estafette du futur album. There’d Better Be A Mirrorball, encore inédite sur scène, est un titre en parfaite contradiction avec le matériel joué en concert. Arctic Monkeys poussent encore plus loin la lounge pop sophistiquée abordée dans l’album précédent (voir Four Out Of Five, SOTW #150) et, brûlons les idoles, osent sortir un single où ne figure la moindre note de guitare.

Par contre, les claviers analogiques et les cordes symphoniques abondent. Comme dans cette longue introduction en cinémascope où un piano et des cordes jouent de concert un thème mélodramatique, qui laisse place à d’inquiétantes ponctuations de cordes (deux fois trois coups) créant un suspense haletant. La chanson proprement dite peut alors commencer. Sur un tempo souple et chaloupé, presque jazzy sur lequel on imagine Turner onduler à loisir se greffe une ligne d’orgue qui tourne comme un carrousel. La voix d’Alex Turner se pose alors, et c’est miraculeux. Loin des rodomontades (aussi spectaculaires qu’amusantes) dont il pouvait abuser au sein des Last Shadow Puppets, loin de tout effet de cape, il s’est transformé en un parfait crooner, les petits problèmes de justesse (allez, cette note bleue dont il usait volontiers) rencontrés parfois auparavant semblant définitivement derrière lui. L’interprétation sobre et retenue, mettant en avant son timbre le consacre comme le grand crooner pop du moment, un Scott Walker pour les années 2020. Notons que l’originalité de sa diction, de sa prosodie ajoutée à sa science du rythme rendent cette mélodie unique. Essayez de la suivre en chantant, vous comprendrez… Tout juste lance-t-il un falsetto fragile en parfaite harmonie avec la mélancolie ambiante à la fin de la chanson. Alex Turner y raconte une discussion vers de la voiture entre deux amants qui vont se séparer pour toujours. Les mots sont doux-amers, la boule à facettes du titre (et élément du décor de scène de la tournée actuelle) représentant l’espérance en un futur plus souriant. On est très loin de R U Mine ? . Turner a d’ailleurs annoncé dans la seule interview donnée jusqu’ici (pour The Big Issue, journal de rue britannique) qu’il n’est plus question de refaire ce genre de rock, en tous les cas pas en studio, mais l’orientation choisie est intrigante. Le fait qu’Arctic Monkeys n’aient pas cédé aux sirènes de l’électronique pour accomplir leur mutation stylistique est à cet égard rassurant, les climats psychédéliques et groovy qu’encouragent l’utilisation d’instruments vintage et analogiques leur vont très bien.

Si l’on peut légitimement craindre que les camarades d’Alex Turner (Jamie Cook guitariste cantonné aux claviers comme on peut le voir dans la vidéo, le bassiste Nick O’Malley et le batteur Matt Helders, privés de chœurs comme de tout effet démonstratif) soient relégués au rang de simples accompagnateurs, on peut aussi les voir comme les Bad Seeds, soit de formidables musiciens sachant mettre tout leur talent au service de la chanson, laissant de côté tout égo. On saura à l’écoute de « The Car » si tel est le cas. En attendant, on ondulera sans modération sur cette magnifique chanson crépusculaire. Chapeau bas !

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Spiritualized est né des cendres de Spacemen 3, groupe de space rock psychédélique formé à Rugby près de Birmingham au début des années quatre-vingt. Précurseurs du mouvement shoegaze qui fit florès à la fin de cette décennie avec des groupes comme My Bloody Valentine, Ride ou the Verve au début, les membres de Spacemen 3 confessaient « Take drugs to make music to take drugs to » (prendre des drogues pour faire de la musique pour prendre des drogues, formule aussi mémorable que publicitairement marquante, que certains artistes de cette époque ont un peu trop suivi à la lettre). Des conflits entre les deux leaders Jason Pierce (le guitariste et chanteur) et le claviers Pete Kember (alias Sonic Boom) conduisirent en 1990 le premier à embarquer le reste du groupe pour mener un nouveau projet, le second devenant un producteur recherché (on le verra aux manettes derrière Panda Bear ou MGMT). Dès lors, Spiritualized allait devenir une structure instable autour du seul Jason Pierce, multipliant les changements de personnel sans que cela n’altère aucunement le style du « groupe ». Leur rock construit à base de pédales d’effets et d’architectures psychédéliques, en cela proche de ce que faisaient Spacemen 3 allait prendre un tournant radical en 1997 avec l’album multi-récompensé « Ladies And Gentlemen, We Are Floating In Space » (Mesdames et messieurs, nous flottons dans l’espace), première phrase de l’album énoncé comme une annonce par une blanche voix féminine, est d’abord surprenant par son design, l’album étant présenté comme une boîte de médicaments avec sa notice « Spiritualized is used to treat the heart and soul » (Spiritualized est utilisé pour soigner le cœur et l’âme). Jason Pierce et ses comparses (dont sa compagne et pianiste Kate Radley, qui allait le quitter peu après pour Richard Ashcroft, leader de the Verve…) allaient prouver que le remède était d’une imparable efficacité. Dans cet album majeur de la fin des années quatre-vingt-dix, Pierce met au point la formule dont il ne déviera plus, en agrémentant son drone rock d’influences blues et gospel et en créant pour cela un fabuleux mur du son redevable aux productions de Phil Spector et de Brian Wilson, avec débauche d’arrangements et d’instruments, multiples guitares, cordes, cuivres, claviers, chœurs, harmonica… C’est manifeste est d’une grande éloquence dans Come Together, I Think I’m In Love et Electricity, pépites incontournables de cet excellent album.

Les albums qui suivirent sont presque tous aussi bons, certains présentant des arrangements encore plus foisonnants (« Let It All Come Down », en 2001, a nécessité la bagatelle de cent-vingt musiciens pour se faire. Quand on entend le single Do It All Over Again, on se dit que ça le méritait… D’autres sont plus fragiles, comme « Songs in A&E » (2008), jeu de mots qui peut à la fois signifier «chansons en La et en Mi » et « chansons aux Urgences » car Jason Pierce a souffert de très graves problèmes respiratoires et passé beaucoup de temps à l’hôpital pendant sa conception, cet album convalescent où l’élément blues prend le dessus est souvent bouleversant, comme dans la superbe complainte Soul On Fire. « Sweet Heart, Sweet Light » en 2012 renoue avec la pop et aligne d’excellentes chansons comme la très rock Hey Jane ou la merveille soul Little Girl (louons les qualités cinématographique et scénaristique des deux vidéos les illustrant).

Le nouvel et neuvième album de Spiritualized « Everything Was Beautiful » sortira le 22 avril. Ne comportant que sept titres, il a été précédé par trois singles, Always Together With You étant le premier. Suivent l’émouvante ballade aux accents country où pleure une pedal steel Crazy et la duelle The Mainline Song/The Lockdown Song. Confinement que le misanthrope paranoïaque qu’est devenu Jason Pierce a vécu comme une bénédiction… Le design représente une nouvelle fois une boite de médicaments, cette fois-co dépliée et qui masque en partie un paysage flou qu’on imagine magnifique. Si sur la foi des similitudes des pochettes cet album était de la teneur de « Ladies And Gentlemen, We Are Floating In Space », on peut s’attendre à quelque chose d’absolument grandiose…

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Wet Leg est un duo formé par deux amies de lycée sur l’île de Wight, autrement dit à Champignac-en-Cambrousse. Rhian Teasdale et Hester Chambers font de la musique avant tout pour s’amuser (« Good times all the times » est leur devise) et ne s’embarrassent pas d’alibis culturels pour se justifier, posture ô combien rafraîchissante. Deux filles différentes, complémentaires et parfaitement complices, Hester la timide blonde à la voix douce au physique de folkeuse et l’extravertie et plus physique aux cheveux châtain Rhian forment une solide entité qui leur a permis de passer impérialement à travers le formidable buzz qu’ont généré leurs deux premières chansons. Elles en ont depuis dévoilé trois autres qui figureront dans un premier album au nom du groupe à paraître le 8 avril et l’avenir se présente radieux pour les deux amies. Avant de se réunir, elles avaient chacune de leur côté tenté l’aventure musicale, Chambers avec son petit ami et Teasdale en tant que Rhian, auteure-compositrice aux inspirations folk, sans grand succès et pas mal de déceptions puisque la première était retournée travailler dans la bijouterie familiale tandis que la seconde devenait styliste à Londres. Un été passé entre copines à s’éclater dans les festivals leur donna l’envie de faire de la musique ensemble, pour le fun, sans tirer des plans sur la comète ni ambition particulière. Et ironiquement, c’est au moment où elles décidèrent de s’en foutre qu’elles trouvèrent la formule qui allait les propulser sur le devant de la scène. Sur la foi d’une démo, elles sont tout de suite signées par le prestigieux label indépendant Domino (Arctic Monkeys, Cat Power, etc.), ont trouvé trois garçons chevelus impeccables pour les accompagner (guitare, basse, batterie) et sont rentrées en studio avec Dan Carey, producteur britannique que tout le monde s’arrache, de Franz Ferdinand à Fontaines D.C., cela même avant d’avoir foulé la moindre scène. Situation induite par le confinement et c’est sans aucun doute ce qu’elles avaient de mieux à faire !

En juin 2021 sort Chaise Longue, premier single et joli moment de post-punk aussi surréaliste qu’apparemment simpliste. Avec sa batterie sèche, son riff de guitare reconnaissable entre mille et sa ligne de basse mélodique, on tape du pied immédiatement et le gimmick se visse dans la tête instantanément. Le spoken word pince-sans-rire de Rhian, faussement apathique et un poil insolent, dénotant un sens de l’humour acéré et le « What ? » murmuré par Hester concourent à donner une vraie personnalité à la chanson. Les paroles ne sont pas en reste et personne ne butera sur le refrain en le reprenant en chœur « On the chaise longue, on the chaise longue, all day long on the chaise longue ». Ce post-punk jovial donne avantageusement le change à toute la majorité sombre, voire dystopique du genre en vogue depuis quelques temps outre-Manche. Ajoutez à cela une vidéo où on les voit faire les imbéciles habillées comme s’ils elles jouaient dans « La petite maison dans la prairie » dans la campagne de l’île de Wight et vous aurez tous les ingrédients qui ont fait de Chaise Longue un hymne. Hymne féministe, car les filles prennent ici les commandes, tancent un petit ami peu entreprenant ou invitent un spectateur à les suivre dans leur loge, où chaise longue et packs de bière tiède sont à disposition. C’est extrêmement addictif, on pense aux Breeders et aux Yeah Yeah Yeahs, Iggy Pop serait fan, les amateurs d’artistes maudits repasseront, les autres sauteront de joie. Quelques concerts en Angleterre et aux Etats-Unis (et un aux Transmusicales annulé…), quelques télévisions bien choisies ont suffi à leur donner une bonne réputation scénique, les deux amies et leurs musiciens semblant prendre un vrai plaisir à jouer et se marrent souvent. En janvier, elles ouvraient pour IDLES à Londres, devant le groupe qui avait fait germer en elles l’idée de former le leur… On attend donc beaucoup de l’album à paraître. Le second single Wet Dream tourne beaucoup sur les radios françaises et reconduit la formule joyeusement pop et terriblement accrocheuse, par contre le troisième Angelica, chanson sur une vieille amie de Rhian laisse entrevoir tout autre chose. Tout en gardant un tempo enlevé, elle sonne plus sombre et psychédélique avec synthés très présents et propose un refrain plus grave, s’apparentant davantage à une indie pop façon Siouxsie & the Banshees.

« Wet Leg », l’album, est donc attendu comme le messie par le public rock et indie pop qui n’avait rien d’aussi populairement prometteur à se mettre sous la dent. Depuis le temps que les groupes à guitares reviennent en grâce, c’est le moment d’en avoir un qui fédère plus large. Qu’il soit la réalisation du projet de deux filles nature et marrantes n’en est que plus excitant.

Live on Later With Jools Holland (BBC)

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Nous en étions restés à l’album sorti en 2018 « El Mal Querer » (Pienso En Tu Mirá est la SOTW #170), où figurait le tube Malamente. Premier succès majeur de celle qui adolescente découvrit le flamenco sur les autoradios de ses amis (elle connut une épiphanie en entendant sur un parking Camarón de la Isla) et s’inscrivit dans une école de musique barcelonaise (le progressiste Taller de Músics) pour en maîtriser la technique et acquérir le duende, ce don qui transfigure les interprétations des cantaores. Avec « El Mal Querer », Rosalía se place, et c’est une première, comme l’artiste espagnole la plus connue dans le monde latino, malgré le côté très conceptuel de l’album et certaines chansons franchement expérimentales (et tout autant remarquables…). Elle s’est ingéniée pendant les trois années qui ont suivi « El Mal Querer » à semer des chansons, collaborations et singles qui ont réussi à l’installer dans la première division de la pop mondiale, et non plus seulement latino. Elle enchaîne donc Con Altura, duo avec la star colombienne du reguetón (ou reggaeton, mais je préfère utiliser l’orthographe espagnole) J. Balvin et Barefoot In The Park avec James Blake. Revient au flamenco pur avec le déchirant Juro Que, tâte de la pop à guitare avec Dolerme, revisite la rumba catalana en chantant dans sa langue maternelle Milionària, se permet le luxe de faire chanter Billie Eilish en anglais pour la B.O. de la série « Euphoria » (Lo Vas a Olvidar), impressionne lors de la remise des Goyas (équivalent des Césars en Espagne) en interprétant de façon bouleversante le standard de flamenco pop Me Quedo Contigo avec un chœur lyrique. Enfin elle réalise le fantasme de toute femme espagnole, apparaître à l’écran (et en chantant) dans le « Douleur et Gloire » d’Almodóvar… Le chemin est donc pavé pour la sortie en fanfare de « MOTOMAMI », troisième album qui la placera, c’est certain, au firmament de la chose pop, la première star totale de la décennie. Et la dernière pièce à l’édifice aura été sa participation au prestigieux show TV américain « Saturday Night Live », où elle chante CHICKEN TERIYAKI et LA FAMA, deux titres du futur album sortis en single et imposera son style ébouriffant. Car évidemment, le style de Rosalía est essentiel… Passée en six ans de la robe flamenca à une variation luxueuse du look « choni » (look de cagole espagnole, avec créoles énormes et streetwear de designer) pour aujourd’hui porter de la couture aventureuse, classe et sexy dans laquelle elle resplendit de fraicheur. Féministe convaincue, représentante de la femme forte, posant nue et casquée sur la pochette telle une Vénus de Botticelli du futur, Rosalía sait qu’une image forte vaut mieux qu’un long discours et le prouve à longueur de clips, toujours remarquables. La Motomami, c’est elle et elle a du chien à revendre.

Ce troisième album n’est pas un disque de flamenco, en tous cas pas littéralement. Rosalía prouve avec ces seize morceaux l’étendue du spectre musical qui l’intéresse, faisant de passionnants aller-retour entre futurisme et tradition. Le vrai flamenco n’apparaît que dans l’imposant BULERÍAS, mystère intégralement percussif avec chœurs masculins où elle décline sa philosophie créatrice et rend hommage à celles qui l’inspirent, citant Lil’ Kim ou M.I.A, et dans une moindre mesure dans le solennel morceau final, comme en live et quasiment a cappella SAKURA, où l’on prend en pleine face l’incroyable émotion procurée par sa voix. Les morceaux dansants (les « bangers »), série initiée par Malamente puis par son chapelet de singles collaboratifs trafiquent avec malice le reguetón, comme ces CHICKEN TERIYAKI ou BIZCOCHITO, qui devraient inspirer bien des chorés sur TikTok, et bien sûr ce SAOKO qui nous intéresse ici. On se doutera que ce que fait Rosalía du reguetón n’a rien à voir avec Despacito, mais qui d’autre aurait imaginé commencer une chanson de ce genre avec un shuffle de batterie free jazz, sur lequel on entend ce « Chica, que dices » (meuf, qu’est-ce que tu racontes ?) liminaire qui annonce la couleur : vous allez être sacrément surpris. Par le son, par le style, par la langue. Et si elle cite un succès reguetón de 2004 (Saoco, de et par les rappeurs cubains Wisin et Daddy Yankee, le gimmick « Saoko, papi, Saoko » trafiqué à l’autotune revenant comme mur porteur de la chanson), elle s’en approprie le style bagarreur pour en faire quelque chose d’intrinsèquement personnel, mieux, une déclaration d’intentions. Elle rappe avec véhémence « Eh soy muy mia, yo me transformo, Una mariposa, yo me transformo, Make-up de drag queen, yo me transformo, Lluvia de estrella’, yo me transformo, Pasa’ de vuelta’, yo me transformo, Como Sex Siren, yo me transformo, Me contradigo, yo me transformo, Soy todas las cosas, yo me transformo » (eh, je suis vraiment moi-même, moi je me transforme, un papillon, moi je me transforme, make-up de drag queen, moi je me transforme, pluie d’étoiles, moi je me transforme, je vais et je viens, moi je me transforme, comme Sex Siren, moi je me transforme, je me contredis, moi je me transforme, je suis toutes les choses, moi je me transforme). Surtout ne pas reprocher à la jeune femme d’être toujours en mouvement, de faire siens tous les styles qu’elle approche, les gardiens du temple flamenco, ceux qui lui reprochaient de ne pas être authentique car ni Gitane ni Andalouse, comme ceux des genres plus « latinos » en prendront pour leur grade, c’est elle, bien sûr, qui est dans le vrai. Que dire alors de ce break free jazz, fracas de piano et de batterie qui déséquilibre SAOKO pendant quelques mesures sans pour autant nuire à l’incroyable efficacité de la chanson, et qui ne videra pas la piste de danse. La scansion rythmique, purement reguetón, est associée à une basse techno vraiment fat qui ouvre d’autres horizons. Aussi minimaliste que diaboliquement accrocheur… Le clip pétaradant met en scènes des pétroleuses sexy à moto, s’inspirant du « Boulevard de la Mort » de Tarantino ou du Bad Girls de M.I.A. (encore elle…), en une ambiance girl power très souriante.

« MOTOMAMI » regorge de sons électroniques qu’on pourrait rencontrer dans des disques de Björk, de M.I.A, de James Blake ou de Burial (samplé ici dans l’excellent mid-tempo CANDY). Les palmas du flamenco rejoignent la scansion denbow (version jamaïcaine musclée du reguetón) dans le tubesque LA COMBI VERSACE, qui accueille la rappeuse dominicaine Tokischa, Rosalía adapte la bachata de Saint-Domingue dans le single LA FAMA, duo popissime sur les effets pervers provoqués par le succès avec The Weeknd, lequel s’exécute (pas mal d’ailleurs) en espagnol. Donne dans le pur R n’B avec la brève chanson titre. Elle s’empare aussi de la salsa cubaine avec sa reprise (très personnelle et formidable) de DELIRIO DE GRANDEZA, standard sixties de Justo Betancourt. Des ballades à fleur de peau au piano comme HENTAI où elle chante avec délicatesse et audace le plaisir féminin ou aux doux paysages électroniques telles GENIS, codé G3N15, où elle s’adresse à son neveu qu’elle n’a pas vu depuis deux ans, conséquence d’une vie qui s’est à la fois délocalisée et confinée, ponctuée par un message en catalan de sa grand-mère… chanson suintant le mal du pays et c’est extrêmement émouvant et COMO UN G créent un équilibre digne des très grands albums.

Alors certains seront peut-être excédés par les touches d’AutoTune, par les scansions reguetón tellement moins solennelles que celles du flamenco, mais vous l’aurez compris, Rosalía ne saurait se contenter de ce qu’elle a déjà accompli et souhaite aborder d’autres rivages en adéquation avec sa vie et ses coups de cœur, faisant fructifier comme personne un bagage érudit avec tant de vérité et d’audace que ce disque est pour moi la première vraie baffe esthétique de cette année 2022. Il n’est pas près de quitter ma platine (enfin, virtuellement, le vinyle ne sera disponible qu’en juillet), ni mes écouteurs. Madre mia quel voyage !

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La chanson italienne a eu beaucoup de succès en France, en particulier dans les années soixante et soixante-dix, avant d’être unilatéralement supplantée par la pop anglo-saxonne. La politique des quota de musique chantée en français sur les radios et télévisions réduisant drastiquement l’exposition des chansons non françaises ni anglophones et sonnant le glas du succès de celles interprétées dans d’autres langues. Je me souviens qu’enfant, le slow langoureux et souvent hypercalorique en italien passant à la radio était monnaie courante, ça allait bien avec la torpeur de l’été au bord de la mer… Andrea Laszlo de Simone ne boxe pas dans cette catégorie, il évoluerait plutôt dans celle de Lucio Battisti ou de Pino Daniele, auteurs-compositeurs exigeants et reconnus internationalement. Né il y a trente-six ans ce 18 février à Turin d’un père calabrais féru de jazz et d’une mère venue des Pouilles goûtant la musique classique, Andrea Laszlo apprend à jouer de la musique avec son frère qui aimait le rock mais ne se réclame aujourd’hui d’aucun mouvement particulier, confessant même son incurie totale en la matière. Et même s’il n’avait jamais envisagé de faire de la musique son métier, il est évident qu’elle l’habite. Totalement. Multi-instrumentiste créant et confectionnant sa musique seul (il avait participé à un duo de rock avec un ami à la fin de l’adolescence et ce fut sa seule aventure partagée), il sort un premier album « Ecce Homo» en 2012, puis un second « Uomo Donna » en 2017, trahissant par les titres sa seule obsession, son seul véritable intérêt qui réside en la chose humaine. Le quatre-titres « Immensità », que son créateur considère comme un véritable album arrive en 2019, vingt minutes d’extase musicale avec du sens. Comme il l’explique aux Inrockuptibles lors d’une interview donnée avant son concert aux Transmusicales de Rennes en 2021 : « C’est l’histoire de la vie, de la renaissance. Le premier chapitre (« Immensità »), c’est le moment de la journée ou de ta vie où tu es positif, car tu penses que tout est possible. Puis arrive le deuxième chapitre (« La nostra fine » où la réalité te surprend, tu comprends que ce n’est pas vrai, que tout n’est pas possible. C’est douloureux… Tu te sens perdu et là, c’est le troisième chapitre (« Mistero »). Le quatrième (« Conchiglie ») étant la renaissance, qui te porte jusqu’au rêve. Moi ce sont mes enfants qui me permettent de renaître. ». Le propos, même si on ne comprend pas bien la langue confère une universalité bien humaine aux chansons d’Andrea Laszlo de Simone.  

Immensità a les atours de slow estival avec chœurs féminins angéliques, voix filtrée et rythmique bien marquée avec arrangements mêlant cordes, claviers électroniques et guitares, mais la mélodie évite toute mièvrerie et donne même sensuellement envie d’inviter quelqu’un à danser. La Nostra Fine, sans doute la perle mélodique de l’album est introduite par un rythme galopant de tambours et un riff de cordes qui s’estompent pour laisser le chant s’exprimer sur une guitare au son de luth, l’emphase des cordes et les distorsions électroniques soulignant le refrain avant que des chœurs célestes lancent une coda avec cuivres et cordes, tout cela ne sonnant jamais lourd ou emprunté. Cette chanson est simplement sublime et on aura plaisir à la chantonner sans retenue. Mistero est une lancinante pièce sombre et romantique à la rythmique heurtée tournant comme un carrousel, à la noirceur aérienne assez ensorcelante. Un bruit de vagues se brisant sur la grève introduit Conchiglie (coquillages), introduisant un simple arpège de guitare acoustique où s’installe la voix douce et sensible d’Andrea Laszlo, installant un ostinato où vont s’agréger orgue, cordes baroques et chœurs qu’on jurerait religieux. Le groupe « rock » rentre enfin après le break et flanque les frissons avant de s’estomper pour ouvrir la chanson à une coda avec trompettes dissonantes et chœurs grandioses. Pop progressive très  accueillante et directe malgré la sophistication des arrangements, grâce à l’universalité des compositions. Ce n’est pas si courant dans ce genre musical.

Andrea Laszlo de Simone raconte aux journalistes qu’il ne fera plus de concerts. Que ceux des Transmusicales étaient les derniers. Qu’il continuera à enregistrer des disques car c’est son métier mais qu’il s’installera au bord de la mer pour voir grandir ses enfants. Il a sorti deux singles épatants depuis, Dal giorno in cui sei nato tu (depuis le jour où tu es né, dédié à son nouveau-né de fils) et Vivo, en attendant un futur album. On espère toutefois que cette fracassante déclaration n’aura été qu’un coup de communication, car les heureux spectateurs des deux concerts de Rennes ont été subjugués par l’intensité scénique de cet homme chevelu et moustachu aux faux airs du Frank Zappa des seventies et par un groupe (avec cordes et chœurs) en état de grâce. On a alors de mal à croire qu’il renonce définitivement à vivre ce genre d’extase, tout en ayant bien compris qu’Andrea Laszlo de Simone n’est décidément pas un artiste de pop banal !

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Je vous avais déjà présenté celle que je tiens comme la meilleure rappeuse du moment. Je l’avais découverte en première partie de Gorillaz (voir #SHOT) et Selfish, extrait de son excellent second album « GREY Area » a été la SOTW #190. En 2021, elle est revenue avec un album en technicolor « Sometimes I Might Be Introvert » (on remarquera l’acronyme délicatement nombriliste SIMBI, prénom de la dame).  Titre qu’on peut supposer ironique, tant cet album est extraverti musicalement parlant. Secondée par son fidèle ami et producteur Inflo, Simz a ouvert la porte de son hip hop rêche et organique à des arrangements et orchestrations larger than life qui auraient pu illustrer des péplums ou de comédies musicales de l’âge d’or d’Hollywood, torrents mélodramatiques et cinématographiques de cordes, de chœurs  et de cuivres qui auraient pu figurer dans les disques de soul satinée de Curtis Mayfield ou dans la Philly Soul proto-disco de MFSB ou des O’Jays. Cette luxuriance orchestrale est particulièrement présente dans les interludes entre les chansons de cet album dense et charnu, mais aussi dans la chair des chansons, toutes assez formidables. Pour autant, la rythmique reste sèche et le hip hop de Simz, typiquement britannique même si cette fois-ci les apports reggae et « musiques urbaines » made in the UK sont moins présents,  est toujours urgent, frondeur, sur la brèche. Le flow, plus que jamais impétueux ne s’embarrasse pas de coquetteries et frappe droit et dur. « Sometimes I Might Be Introvert » est enfin d’une grande variété musicale, comme « GREY Area » l’était, mais Simz et Inflo déroulent ici un éventail très large qui embrasse le funk, la soul, le grime (c’est comme ça qu’on appelle ce rap typique d’outre-Manche) mais aussi la pop 80’s (l’intégralement chanté Protect My Energy), l’afrobeat (Point And Kill, en duo avec le chanteur nigérian Obongjayar), voire la pop orchestrale opératique (Miss Understood). Sans parler du tube soul rap Woman, où apparaît la voix flûtée de l’amie Cleo Sol et de la remarquable pièce d’ouverture Introvert, où telles les trompettes de Jéricho les riffs de cuivres dressent un décor de péplum pour laisser place à un délicat motif de guitare folk sur lequel le rap incisif de Simz fait merveille. On notera que si Simz honore toujours le grime avec des morceaux funky et minimalistes (Speed et Rolling Stone, de la balle…), elle ne succombe jamais aux modes américaines, ne touche pas à la trap music, refuse toute utilisation de l’AutoTune et ne gaspille pas son talent en featurings inutiles… N’empêche, « Sometimes I Might Be Introvert » est un album de rap aussi important que le « My Beautiful Dark Twisted Fantasy » de Kanye West, album avec lequel il partage la luxuriance et la grandeur.

I Love You, I Hate You est problablement la chanson la plus personnelle d’un disque très incarné, car Little Simz évoque ici ses relations avec sa famille, pas simples apparemment… Sur un sample de voix soul vintage qui scande I Love You, elle répond « Sometimes », I Hate You « Always », I Love You, « Right Now »… Cette chanson fait le pont entre les deux pôles qui caractérisent les arrangements de cet album, entre une rythmique hip hop assez rêche avec une basse vraiment fat et des arrangements luxuriants de cuivres et de cordes avec chœurs funky. Et c’est une vraie réussite, tant l’ensemble est accrocheur. Chanson importante car elle est le prétexte à un court-métrage réalisé par l’artiste… Si avec tout ça Simbi Ajiwako ne devient pas dans le coeur du public la rappeuse la plus essentielle depuis Lauryn Hill, c’est à désespérer !

I Love You, I Hate You, le film :

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Un riff de cordes en Panavision, des arrangements au millimètre, un parfum de soul music hautement vintage et une chaude voix suintant le gospel et l’authenticité nous plongent dès les premières secondes dans le caisson sensoriel qu’est Blame. Et cette perle est l’œuvre du trio californien Gabriels, qui apparaît ici comme un reboot de Gnarls Barkley : soit l’association entre un chanteur à la voix impressionnante et au physique de bonze replet (et maquillé) et de musiciens producteurs qui updatent à leur façon la soul music des années cinquante et soixante en la parant de sonorités contemporaines, subtilement électroniques ou comme ici orchestrales, sans que la greffe ne sonne forcée ou mièvre. Le trio regroupe donc le chanteur gospel et chef de chœur Jacob Lusk (lequel s’était fait remarquer dans le télé-crochet American Idol en 2011, où sa voix aussi époustouflante qu’émouvante avait inconditionnellement séduit le public) et les producteurs (je déteste ce mot) Ryan Hope et Ari Balouzian, qui viennent du cinéma, le premier dans la réalisation, le second dans la composition de bandes originales. Ces derniers recherchaient un chœur pour un projet musical et sont tombés sur Lusk, originaire de Compton mais aucunement influencé par le rap, et pour cause car celui-ci vient d’un milieu chrétien très rigoriste et a été biberonné au chant religieux, la radio, comme la musique du diable que représentaient la soul et le funk étant interdites à la maison… C’est en se rebellant contre l’autorité parentale qu’il a découvert les chants profanes d’Aretha Franklin, Nina Simone, Marvin Gaye ou Beyonce, même si c’est bien sa pratique poussée du gospel qui lui a, c’est un euphémisme, permis d’imposer cette voix sensationnelle, passant du murmure fragile, du feulement sauvage à l’autorité d’un prêcheur, de basses profondes au falsetto le plus androgyne. Hope et Balouzian n’allaient pas passer à côté d’un tel phénomène, et s’empressèrent de travailler avec lui pour mettre au point la formule qu’ils avaient en tête.

Formule que Gabriels a peaufinée avant de révéler une première chanson, Loyalty en 2018, puis un premier EP « Love And Hate In A Different Time » en 2020 dont le morceau éponyme a joliment résonné dans la tête de beaucoup. Morceau soul enlevé et entêtant aux accents nu disco avec chœurs énergiques et une remarquable interprétation vocale en falsetto évoquant le (You Make Me Feel) Mighty Real de Sylvester, la chanson surprend par son exécution musicale alliant cordes cinématographiques, touches électro aériennes et section rythmique groovy avec contrebasse. Le clip, étonnant, compile façon Tiktok des gens de toutes les cultures qui dansent et se termine avec Jacob Lusk chantant Strange Fruit, l’hymne antiraciste de Billie Holiday lors d’une manifestation Black Lives Matter au milieu d’une foule conquise et solidaire. Blame figure dans un second EP « Bloodline » sorti fin 2021, qui pousse plus loin en la raffinant la formule Gabriels. Soit créer une soul music à la saveur authentique mais jamais passéiste, qui ne cherche surtout pas à reproduire les merveilles du passé mais sonne instantanément classique, comme si elle avait été jouée dans une cave enfumée ou… une petite église. Le choix des instruments orchestraux plutôt que la machinerie électronique d’aujourd’hui pourrait sembler suranné mais s’avère payant, tant ce genre de sonorités est aujourd’hui peu habituel. Les touches contemporaines se trouvent dans le traitement des sons et des voix (la distorsion sur le pont, les chœurs euphorisants qui font « Ooh la la la »). Blame suinte une spiritualité gourmande assez irrésistible, ce genre de truc en plus qui devrait bien vite propulser le trio tout en haut de l’affiche

Version live acoustique:

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