J’aime beaucoup Aubrey Drake Graham, alias Drake, l’une des plus indiscutables pop stars actuelles, et nombre de ses chansons m’ont carrément enthousiasmé, telles « Take Care » (merveilleux duo avec sa soulmate Rihanna, merci les Inrocks et leurs compils, je serais sinon passé à côté…), « Hold On, Were Coming Home », « Legend » ou naturellement la si sexy « Hotline Bling » (SOTW #71 et chanson de l’année 2015 pour cette rubrique). J’ai donc sans hésiter acquis « Views », consistant opus sorti en 2016, long recueil de chansons épais et touffu que j’ai eu du mal à apprivoiser. C’est en écoutant négligemment « Views » que des chansons saillantes se sont imposées à moi. L’évident effort hip hop « Pop Style », la très dancehall « Controlla », le duo avec l’amie Rihanna « Too Good » et ce « One Dance » m’ont servi de sésames (de béliers ?) à ce disque majeur de la pop d’aujourd’hui.

Revenons donc à « One Dance ». Drake se présente une fois encore comme le chanteur le plus sentimental du genre R n’B qui de sa voix douce invite sa cavalière (ou son cavalier, on peut toujours rêver…) à n’être qu’un sur la piste, en une osmose sensuelle et rythmée. Que celle ou celui qui n’a jamais eu ce désir le fasse savoir, et on le plaindra sincèrement. L’irrésistible scansion rythmique est franchement caribéenne, influencée par le dancehall jamaïcain et l’afrobeat (on retrouve la pulse imparable de « Work », son impeccable duo avec encore Rihanna) et fait sans coup férir onduler les corps. Mais ce qui perdure chez le Canadien, c’est l’économie de moyens qui gouverne ses compositions. Arrangements épars, mélodies de comptines, le minimalisme comme vertu cardinale, le tout étant d’une efficacité indiscutable. La frime n’a aucun droit de cité chez Drake, chanteur et créateur fleur bleue et mélancolique, aux antipodes du bling bling. Que le grand public (qui bougera son boule sur « One Dance » comme sur du reggaeton, et ce n’est pas si grave) et moi-même nous accordions sur « One Dance » est évidemment accidentel. Alors profitons de ce rare état de grâce!

C’est peu commun, voire exceptionnel, mais ce hit monstrueux n’a pas de clip… Sans doute n’en aura t-il jamais besoin… Voici donc de quoi l’écouter en streaming (téléchargement gratuit disponible) :

Live (capture salle) enchaîné avec l’excellent « Controlla », début « One Dance » : 2’07s

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Oscillant entre soul introspective et R n’B, Sampha en propose une version très moderne et émotionnelle, à la façon et avec la grâce de Frank Ocean. Ainsi, « Blood On Me » traite de sa fuite devant ses démons et de la crainte d’être rattrapé par eux dans une ambiance onirique, mais est-on vraiment certain d’être dans un rêve ? Cette inquiétude se ressent dans le couplet, où la voix douce et voilée de Sampha, laquelle crée une immédiate intimité avec l’auditeur, se fraye un passage entre les halètements d’un coureur en fuite. Une batterie et des percussions (cowbell en tête) à la fois volubiles et tendues, un sombre piano nous évoquent sans trop de difficultés le trip hop bristolien, en particulier celui du Massive Attack des deux premiers albums (les plus soul). Une basse funky experte emmène le refrain triomphant musicalement, où la voix de Sampha, en plein régime, dégouline de feeling, même si l’angoisse transparait dans les paroles « I swear they feel the blood on me, I hear them coming for me » (« Je jure qu’ils sentent le sang en moi, je les entends venir pour moi « ). Une belle dichotomie très typique de le soul britannique, de Massive Attack à Young Fathers, une soul luxuriante au fond dépressif. Et c’est aussi dérangeant qu’enthousiasmant. Vivement l’album!

La vidéo, très onirique, est un petit chef d’oeuvre en adéquation totale avec la chanson sans être narrative.

Je vous rajoute cette cover piano voix très soulful du classique de Air « All I Need », pour que vous mesuriez la musicalité du bonhomme !

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Cet hyperactif réussit à créer un funk punchy et cohérent, aux beaux instrumentaux très musicaux et ça s’entend dans la perle de ce bon album « Redbone », un mid-tempo très sensuel aux accents gospel que Childish Gambino interprète intégralement en falsetto. Sans rire, ce style de chant est spécifique à la soul et au funk, et à ses versions modernes comme la disco ou le R n’B. Cette voix de tête (de fausset…) androgyne et sexy à la fois a été utilisée en chant principal (et pas seulement pour les choeurs, comme c’était le cas jusqu’ici) dès les années 60 par des soulmen comme Smokey Robinson (the Miracles) ou Eddie Kendricks (the Temptations). Prince a chanté un bon tiers de son répertoire en fausset. Et si les Bee Gees ont eu autant de succès au sein du public black avec « Saturday Night Fever », c’est sans doute parce qu’ils cherchaient à imiter ces chanteurs soul en passant au falsetto, et tout au long de la même chanson. Aujourd’hui, des artistes musicalement transgenre comme Justin Timberlake, Pharrell ou Beck n’ont pas peur de chanter en fausset, l’effet délicat de cette voix pseudo féminine contrastant souvent avec le côté viril des rythmes et surtout des paroles… (Note en forme d’auto-dépréciation: Je n’ai jamais su, jamais pu chanter en falsetto…)

Childish Gambino utilise le falsetto tout au long de « Redbone » pour ces multiples raisons. Le texte parle d’une entreprise de séduction d’une façon ouvertement sexuelle. Le morceau est bâti en « slowburn », la tension de l’interprétation vocale comme musicale croît tout au long de la chanson, les contrechants gospel marquant des accents aériens, l’instrumentation devient de plus en plus luxuriante et les guitares doublées de synthétiseur ont un effet orgasmique à la fin du morceau. Comme souvent avec ce genre musical, la frontière entre la grâce et le mauvais goût est ténue, mais quand c’est bon, c’est… Torride. Chauffé au rouge, comme ce « Redbone »…

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L’ordre retenu ce jour est l’ordre de ce jour, il serait forcément différent demain. Je soutiens néanmoins mordicus mon top 5, lequel fera on n’en doute pas grincer quelques dents. Alors je m’explique:

On peut arguer que « Lazarus » de David Bowie était déjà disponible fin 2015. Cependant, le décès de mon idole absolue restera l’événement le plus triste mais aussi le plus marquant de 2016. Et si je me suis replongé dans l’oeuvre Bowienne in-extenso toute l’année, « Lazarus » restera une troublante épitaphe, une chanson de passage, digne et bouleversante. Et accessoirement la réussite la plus flagrante du très bon « Blackstar ».
Avec « Formation », Beyoncé a balancé son morceau le plus fort depuis son liminaire « Crazy In Love ». Avec son gimmick minimaliste et son luxuriant refrain, cette bombe R n’B nous aura fait remuer les hanches (moins bien qu’elle, certes…) tout l’été tout en diffusant un message black et féministe qui détonera dans l’Amérique de Trump, et qu’on ne peut donc que soutenir.

Quand deux gamins de Long Island, affichant respectivement 19 et 17 ans, recréent, excusez du peu, toute la flamboyance outrée du rock des 70’s, glam rock en tête, celà donne « As Long As We’re Together », des merveilleux Lemon Twigs, qui pour le coup ont écrit leur « All The Young Dudes », et c’est magnifique.
Ils nous auront accompagné toute l’année, sur disque, sur scène en nous assénant une impeccable leçon de style. Et puisqu’il fallait choisir une chanson de the Last Shadow Puppets, j’ai opté pour la délicieuse et retenue « Miracle Aligner » que j’ai fredonnée tout au long de 2016. Alex and Miles forever.

Enfin, quelle joie de tenir enfin un nouvel enregistrement de Soulwax. Les divins frères Dewaele ont balancé ce single en forme de concept qui a défini leur retour scénique. « Transient Program For Drums And Machinery » mixe electro, pop et techno avec un savoir-faire monstrueux et oui, de l’âme. Rien que ça.

Avant de vous livrer la liste complète, je déplorerai seulement que certains artistes, que j’admire par ailleurs, refusent de jouer le jeu d’une diffusion égalitaire de leur oeuvre. Ainsi, « Blond », dernier album expérimental, exigeant et intimiste de Frank Ocean n’est disponible qu’en téléchargement, et encore, pas partout. Inutile de dire qu’il est impossible d’écouter gratuitement les chansons qui le composent sur Youtube, Soundcloud ou autre plateforme. Cette parano et ce protectionnisme m’agacent au plus haut point. Je n’ai pas moins placé la sublime et bouleversante ballade « Ivy » dans ma liste. Et, peu rancunier au fond, je vous en recommande ardemment l’attentive écoute…

30. Radiohead – Burn The Witch
29. Pixies – Tenement Song
28. CRX – Ways To Fake It
27. Mr. Oizo – Freezing Out (ft. Peaches)
26. The Limiñanas – Prisunic
25. Cat’s Eyes – Drag
24. Nick Cave & the Bad Seeds – Girl In Amber
23. The Divine Comedy – How Can You Leave Me On My Own?
22. Solange – Cranes In The Sky
21. The Strokes – Drag Queen
20. Savages – The Answer
19. The Kills – Doing It To Death
18. De La Soul – Memory Of… (US) (ft. Estelle & Pete Rock)
17. Rihanna – Work (ft. Drake)
16. Two Door Cinema Club – Bad Decisions
15. TOY – Fast Silver
14. Lescop – Dérangé
13. DJ Shadow – Nobody Speak (ft. Run the Jewels)
12. Metronomy – Night Owl
11. Frank Ocean – Ivy
10. Iggy Pop – Gardenia
09. PJ Harvey – The Wheel
08. The Shitz (aka Soulwax) – How Long
07. Beck – Wow
06. The xx – On Hold
05. Soulwax – Transient Program For Drums and Machinery
04. The Last Shadow Puppets – Miracle Aligner
03. The Lemon Twigs – As Long As We’re Together
02. Beyoncé – Formation
01. David Bowie – Lazarus

Playlist consultable, écoutable et regardable sur YouTube.

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J’ai découvert la jeune Afro-américaine en 2012 avec son EP « True », où figuraient les excellents titres « Lovers in the Parking Lot » et surtout « Losing You », hit charmeur qui mêlait avec brio soul, R n’B et indie pop. L’objet avait été concocté avec Dev Hynes, le New-Yorkais à la pointe de la pop noire et queer. Forte de son petit succès (aidé par de fabuleux clips d’un goût exquis), Solange devint alors la it-girl du moment branchée, pointue, au style aussi original qu’indiscutable. Mais surtout, Solange est black, ne se teint pas les cheveux en blond, les porte souvent en afro et revendique très fort son appartenance à la communauté noire américaine.

« Don’t Touch My Hair », premier single de son tout nouvel album « A Seat At My Table », est une revendication de qui elle est, de quelle culture elle est issue et de la fierté qui l’habite. Musicalement, c’est un objet soul aussi moderne qu’authentique. Commençant comme une langoureuse ballade, la chanson prend petit à petit corps instrumentalement, devient luxuriante et rythmiquement plus martelée (ah, ce petit arrangement de cowbell si bien trouvé!), le refrain carrément sensuel (« What you say, oh, what you say to me » est partagé avec le rapper Sampha) fait grimper la température de quelques degrés. Une chanson longue en bouche (comme l’intégralité de l’album, d’ailleurs, lequel ne se livre pas aux premières écoutes) parfaite au coucher du soleil ou au lever du jour. La vision du clip vous convaincra, enfin, du style impeccable de Solange.

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Badriia « Bibi » Bourelly est une jeune femme de 21 ans d’ascendance haïtienne et marocaine ayant grandi à Berlin aux côtés de son musicien de père. Elle est aujourd’hui basée à Los Angeles, ayant signé dans la grosse écurie hip hop/R n’B Def Jam, car malgré son très jeune âge, Bibi a déjà écrit des chansons pour rien moins que Rihanna (dont son récent « Bitch Better Have My Money ») ou Usher et fait des featurings avec celui-ci et Lil Wayne, montrant ainsi qu’elle a le talent nécessaire pour frayer avec les très gros poissons.

Son premier album n’est pas encore sorti et « Ego » n’est que son deuxième single. Et la puissance de feu qu’il dégage est assez bluffante. Ecrite quand elle avait 19 ans, cette déclaration d’intention, d’indépendance et d’ambition a la rage de l’adolescence. Bibi Bourelly déclare avec autorité et passion qu’elle ne laissera personne se mettre en travers de son chemin. On la croira sans peine à l’aune d’une telle interprétation, littéralement habitée.

Musicalement, « Ego » évolue sur une base blues (un peu à la « Woman » de Neneh Cherry, autre grande voix de cultures métisses) mais Bibi plaque dessus une attitude et un phrasé très hip hop et R n’B. On trouve aussi une certaine nonchalance reggae bien vue (ah, ce plan de basse absolument remarquable, de ces arrangements qui font les grands morceaux pop). Bibi Bourelly, furie indomptée et pour le coup vraiment enthousiasmante sera une grande star dans un futur très proche. Vous aurez été prévenus…

Live Austin 2016 :

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C’est exactement le propos d’une grande artiste engagée, M.I.A., la piquante chanteuse anglo-tamoule (ses parents, figures de la contestation étudiante ont émigré à Londres pour fuir la répression sri-lankaise) n’en est pas à son coup d’essai. Avec « Borders » (frontières) elle pose le problème frontalement. Un propos d’une grande simplicité qui frappe comme un uppercut sur une mélodie aussi contagieuse qu’immédiatement mémorisable. Du niveau de ses meilleures, comme « Galang », « Paper Planes » ou « Bad Girls » (vous les trouverez sans difficulté, c’est irrésistible).

Musicalement, M.I.A. fait une world music absolument pas baba cool, sans aucune sensiblerie et peu encline à séduire les lecteurs de Télérama. Par contre, elle mêle dans un brouet énergique les bandes son des films Bollywood, le kuduro angolais, la soca libérienne et l’électro anglaise et tape en plein dans le mille.

La vidéo, elle, vous laissera pantois… Artiste totale et vraie pasionaria, M.I.A. est une personnalité majeure de la culture pop et politique. Chapeau bas!

« Borders, what’s up with that… »

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Chanson de la semaine en forme de méga hit cette fois-ci… Car même si ce morceau appartient quasiment au domaine public en raison de son succès planétaire, « Hotline Bling » m’a cueilli avec une déconcertante facilité. Et si Drake est l’une des valeurs refuge du R n’B, donc l’une des plus grandes stars contemporaines, ce n’est pas pour autant que je snoberai le plaisir que j’éprouve en l’écoutant.

Rappeur de 29 ans natif de Toronto, Aubrey Drake Graham alias Drake a commencé sa carrière à la télévision (la série pour ados « Degrassi », dans laquelle il a joué jusqu’en 2010) avant de se tourner vers le hip hop dans lequel il trempait depuis quelques années à coups de mixtapes et de mini tubes. Et c’est dès 2010 qu’il s’est imposé comme l’un des plus importants artistes du genre, imposant un rap cool, aux mélodies émouvantes et aux paroles romantiques aux couleurs West Coast, mais dénué de la frime gangsta ou bling bling qui en sont les canons. Enchainant les featurings prestigieux (Eminem, Kendrick Lamar, Pharrell ou Rihanna), chacun de ses disques est un carton planétaire.

« Hotline Bling » est un one-off, un single sorti en juillet 2015 bâti sur un sample du merveilleux tube soul de 1972 « Why Can’t We Live Together » de Timmy Thomas, lancinante prière ancrée sur une insistante et minimaliste ligne d’orgue Hammond et un tapis de boîtes à rythmes antédiluviennes (je vous l’ai mise en lien ci-dessous…). La voix sensuelle de Drake fait merveille sur une mélodie vocale d’une grande finesse, qui pourrait faire succomber n’importe qui. Pour moi, c’est gagné!

Le clip tout aussi minimaliste (hormis quelques statiques formes callipyges, on est quand même dans le monde du rap…) présente Drake dans un décor abstrait aux lumières changeantes exécutant des pas de danse assez absurdes, de ceux qu’on fait quand on se lâche tout seul chez soi, mais pour un résultat über sexy qui fera (et fait déjà) école.

Timmy Thomas « Why Can’t We Live Together » (audio 1972) :

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La voix androgyne assez virtuose et gorgée d’âme est celle d’Abel Tesfaye, jeune Canadien d’origine éthiopienne, chanteur, producteur et DJ sous le nom de the Weeknd. En tant que DJ, il n’hésite pas à utiliser des thèmes rock pour poser ses raps (comme le prouve son sample du « Happy House » de Siouxsie & the Banshees dans son premier hit en 2010 « House of Balloons ». Cet homme discret (hormis sa coiffure en architecture de dreadlocks) est devenu avec son dernier album « Beauty Behind the Madness » une star. Pas étonnant alors d’y retrouver en featuring Lana del Rey et à la production Kanye West (sur un morceau).

Cependant, et contre toute attente, c’est le producteur pop suédois Max Martin (qui fut derrière Britney Spears ou Katy Perry) qui s’est chargé d’enluminer « Can’t Feel My Face » et the Weeknd a été inspiré en lui confiant cette tâche. Irrésistiblement catchy, grâce à cette énorme basse funk et à ces arrangements secs, cette chanson ne vous lâchera plus… Rendez-vous sur la piste !

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« On the Regular » est une scie hip-hop, ni vraiment rappée ni vraiment chantée, avec une instrumentation qui rappelle énormément les bombes pour dancefloor que faisait le LCD Soundsystem (« More cowbell !!!! »). Chic, moderne dans le sens new-wave, donc. La voix de Shamir n’appartient à aucun genre (sa coiffure non plus d’ailleurs) et semble être plus influencée par Nina Simone que par Chuck D.  Après un premier EP titré « Northtown », exercice de soul R n’B transgenre plutôt orchestré, il balance cet appel à la danse minimaliste qui ne m’a pas lâché cette semaine.

Présage: hier soir à la fête des internes du lycée, « On the Regular » est (thanks Chrisfader) l’un des morceaux de la soirée qui m’a fait rejoindre la piste (à la grande joie de mes élèves, lesquels ont réagi à « On the Regular » comme un seul homme) avec enthousiasme.  On reverra Shamir, et cela dès 2015 !

« This is me on the regular staying up »

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