Avant des élections présidentielles pour le moins cruciales et pendant une campagne lamentable, Janelle Monae jette un pavé engagé dans le marigot de la démocratie US sous forme de son nouveau single, l’excellent « Turntables ». En à peine trois minutes, la musicienne comédienne d’Atlanta concentre tout son talent pour trousser une chanson mémorable (B.O. du documentaire « All In: The Fight For Democracy ») avec couplets en raps combattifs et refrains soul gospel du meilleur acabit. C’est dansant, catchy à mort et d’une intelligence remarquable. En deux mots parfaitement irrésistible ! Ajoutons à cela une vidéo soignée (comme toujours avec elle) déclinant le thème « Black is Beautiful » et hurlant que « Black Lives Matter ». « Turn, turn, can’t wait for it to turn, turn »… Si cette protest song d’aujourd’hui peut ramener des votes anti Trump dans les urnes, ce sera toujours ça de gagné. Janelle Monae, elle, ne lâchera rien !

Lisez plus d'articles de Roland Dérudet sur la Culture de l'Ecran

Comme ce nouveau single d’Hanni El Khatib envoyé en éclaireur d’un cinquième et nouvel album  « FLIGHT », qui sort aujourd’hui même. « ALIVE » a un titre parfaitement en contradiction avec la morosité ambiante, gueule sa rage de vivre face à la crise. Cette chanson a bien sûr été composée avant que le virus ne se répande mais sa date de sortie n’aurait pas pu être mieux programmée… Je vous avais présenté ce musicien californien avec « Moonlight » (SOTW #47), extrait de l’album éponyme sorti en 2015. D’ascendance palestinienne et philippine, le San-Franciscain de trente-huit ans, skateboarder féru de surf music, de blues, de soul et de rock 60’s a d’abord été designer pour des vêtements streetwear et skate avant de diriger toute son énergie vers la musique. Guitariste et pianiste accompli, il crève l’écran dès « Will The Guns Come Out » son premier album en 2010 remarqué pour son côté néo-vintage et ses compositions garage rock au son lo-fi très marquées par le rockabilly, la surf music et le doo-wop. Son allure impeccable et sa belle gueule le plaçant idéalement comme un rocker aussi crédible que commercialement viable, entre les White Stripes et Jon Spencer. Après avoir enfoncé le clou sous forme d’un second album furieusement rock n’roll mais un tant soit peu trop scolaire produit par le Black Keys Dan Auerbach, il manifeste des envies d’ouverture avec « Moonlight », album où il joue de tous les instruments hormis la batterie, la plupart du temps samplée depuis les parties jouées par le batteur. Musicalement plus diversifié, abordant même et avec quelle réussite la soul proto-disco symphonique avec le fantastique « Two Brothers ». Cette méthode autarcique et pourtant très ouverte est reconduite avec « Savage Times », collection de cinq EP de très haute tenue sortis en 2017.

Totalement affranchi de la bienséance et des diktats « rock », Hanni El Khatib semble avoir accompli une nouvelle mue à l’écoute des trois premières chansons déjà offertes au public et qui précèdent la sortie de « FLIGHT ». Trois morceaux courts et percutants enregistrés en solitaire, recourant cette fois-ci à un bricolage D.I.Y. qui a plus à voir avec le hip hop qu’avec le rock, convoquant l’esprit ludique et inventif du Beck des débuts, celui d’ « Odelay ». Si « STRESSY » installe une tension urbaine haletante, si « DUMB » téléporte le doo-wop vers des étendues electro inquiétantes, « ALIVE » nous tire vers le haut. « I can’t believe I survived » clame t-il sur un tempo primesautier et éminemment dansant, évoquant un accident de voiture auquel il a heureusement survécu. Avec ses flûtes et cuivres électroniques et son beat hip hop, cette ritournelle estivale à la mélodie presque bossa-nova à l’énorme potentiel tubesque devrait servir de cheval de Troie à un album qui promet d’être franchement décoiffant. Le solo de piano jazzy prouve qu’Hanni El Khatib peut faire preuve de sa grande musicalité quand ça lui chante, mais la production brute de décoffrage confirme que le skateur californien a gardé toute son âme punk et garage. On ne peut en tous les cas que louer son esprit aventurier et son refus du surplace. 

Version studio, avec le (très joli) break au piano absent sur la vidéo (complètement barrée) :

Lisez plus d'articles de Roland Dérudet sur la Culture de l'Ecran

Prodige d’à peine vingt-et-un ans il est le fils d’une mère afro-américaine et d’un père philippin qu’il a à peine connu… Protégé par sa mère, le petit Steve sera préservé de la violence inhérente à Compton et ira dans de bonnes écoles. Il a commencé à jouer de la guitare dès l’âge de sept ans d’une façon totalement virtuelle, avec le jeu vidéo Guitar Hero. Il y faisait de telles étincelles que bien vite il eut envie de jouer sur une vraie guitare et se mit très tôt à programmer des rythmes (comme un vrai beatmaker) à l’aide d’un simple iPhone, créant ainsi des chansons de façon parfaitement autonome. Il est bien vite remarqué par le groupe de soul R n’B angeleno The Internet (formé par des membres du collectif Odd Future, d’où est issu Frank Ocean et mené par la chanteuse et DJ Syd Tha Kyd) qui lui proposent de produire et de jouer de la guitare dans leur troisième album « Ego Death » alors que Lacy n’a que seize ans. Dès lors, il devient la coqueluche de tout un aréopage d’artistes qui comptent aux Etats-Unis, lesquels se l’arrachent littéralement. Ainsi, on le retrouve aux manettes du « PRIDE. » de Kendrick Lamar mais il produit aussi des chansons pour Solange, Kali Uchis, Blood Orange ou apparaît comme invité de luxe sur les deux meilleures chansons du dernier Vampire Weekend, « Sympathy » et « Sunflower », ce qui prouve l’ouverture d’esprit du jeune homme et son refus de se laisser cataloguer. Sa voix protéiforme à l’aisance folle dans les aigus et son jeu de guitare si délié et si particulier lui permettant toutes les audaces. 

Il écrit et enregistre en 2018 un second et excellent album avec The Internet « Hive Mind », hautement recommandé et où Syd lui laisse parfois le micro (écoutez cette tuerie de single, le suave « La Di Da ») avant de sortir cette année son premier véritable album solo, « Apollo XXI » (il avait déjà sorti deux recueils de démos, très remarqués, et enregistrés chez lui avec GarageBand). Courtisé par toutes les major companies, il balaie d’un revers de main toutes leurs propositions pour garder jalousement sa farouche indépendance et « Apollo XXI » est en effet un album d’une folle liberté. Il se permet par exemple avec « Like Me » une expérience de plus de neuf minutes où il envisage plusieurs tableaux musicaux sensés représenter sa sexualité, très ouverte et libérée (il se présente comme bisexuel, ose le mettre en scène dans certains de ses clips et de ceux de the Internet, et refuse d’en faire une histoire). Alternant chansons soul et langoureuses et bangers funk et pop qui ne sont pas sans rappeler Prince, son modèle absolu, l’album sur lequel il a joué de presque tous les instruments et qu’il a produit a toutefois une saveur lo-fi qui lui sied à ravir et donne à l’ensemble une proximité inédite dans ce genre peu enclin à l’épure. On pense aussi beaucoup à Pharrell, autre producteur aux larges horizons qui n’en rajoute jamais. 

« Playground » en est le premier single et il est irrésistible. Sur un groove minimaliste pop et funk, très princier en somme, avec batterie sèche et basse slappée, Steve Lacy place un riff de guitare funky ensoleillé d’une monstrueuse efficacité et une mélodie imparable chantée en falsetto qui suinte la montée d’hormones et la sexualité. Invitant son (sa) partenaire, ou encore nous-mêmes, à le rejoindre sur son « terrain de jeux », Steve Lacy nous séduit sans aucun effort, et ose même un pont avec une ligne mélodique jazzy et de discrètes touches electro qui amènent de l’ étrangeté avant de conclure hâtivement en reprenant une simple ligne du refrain. Ce n’est ni banal, ni normalement autorisé pour un single et pourtant ça fonctionne et très bien. L’album est de ce niveau, varié, pop, funky, avec une guitare experte qui ne la ramène jamais et des mélodies chiadées. Beau gosse au talent aussi fulgurant que généreux, Steve Lacy est déjà l’un des artistes qui comptent vraiment dans le panorama musical mondial. On n’a pas fini d’être séduit et surpris par lui, vous êtes prévenus !

Lisez plus d'articles de Roland Dérudet sur la Culture de l'Ecran

Cet album de la maturité surclasse le précédent « Stillness In Wonderland », qui bouillonnait d’idées et lançait de nombreuses pistes sans pour autant , trouver un équilibre. La genèse de « GREY Area » a débuté pendant que Simz tournait en Europe avec le cirque Gorillaz, expérience qu’elle a trouvée à la fois excitante et bénéfique (c’est réellement lors de cette tournée que Little Simz a rencontré un public large) et fastidieuse. Elle s’est plongée dans l’introspection et en a trouvé la matière de ses textes. La pénibilité du métier de musicien sur la route donc, mais aussi la difficulté de vivre des relations humaines, la perte d’un ami qui a été assassiné et l’observation d’une société qui court à la catastrophe. Rien de bien gai dans tout ça, mais Simz en fait le carburant de son inspiration, se présentant comme une femme battante et déterminée à s’en sortir par le haut. « GREY Area » (la zone GRISE décrite ci-dessus…) est un album particulièrement varié tout en étant très cohérent. Réalisé en structure légère par Inflo, un ami d’enfance (à une époque où les disques pop sont fabriqués avec des pools d’auteurs et de musiciens), l’album privilégie les vrais instruments plutôt que la M.A.O. (musique assistée par ordinateur), pianos, guitares, basse et batterie qui ne restent jamais dans le même registre. Sans doute est-ce dû au fait que Simz maîtrise bon nombre d’entre-eux et qu’elle se permet des audaces. 

« Offence » qui ouvre l’album est un morceau de pur hip-hop au groove funk dur, très B.O. de « blaxploitation » avec breakbeat démoniaque, cordes ivres et flûtes dissonantes, le tout porté par une ligne de basse vraiment fat où Little Simz balance « I said it with my chest and I don’t care who I offend, uh huh, ha » (je l’ai dit de tout mon coeur et peu m’importe qui j’offense). Déclaration d’intention! « Boss » est un morceau très dur, très bagarreur avec voix et basse distordues sur un groove tendu et minimaliste. « Therapy » au tempo hypnotique et au refrain envoûtant impressionne. « Selfish » est instantanément cool. Avec sa rythmique funky indolente, sa basse ronde, ses cordes très « Philly Sound », son piano suspendu qui donne une petite touche acid jazz pas désagréable, bien au contraire. L’artiste londonienne d’origine espagnole Cleo Sol chante le refrain d’une voix vaporeuse et soul, gimmick ensoleillé qui rend « Selfish » si accrocheuse. Simz place ses raps avec autorité d’une voix profonde et percutante. Le contraste entre les deux exécutions vocales insufflant une vraie dynamique à cette chanson. Miles Kane lui même a cité « GREY Area » comme son album favori du moment, Serge Pizzorno, l’homme derrière Kasabian, a invité Simz à rapper et chanter dans « Favourites », la meilleure chanson de son projet solo « The S.L.P. », deux petits exemples pour prouver que Little Simz transcende les genres et ne peut aujourd’hui être cantonnée à la scène R n’B et rap. Une très grande artiste est née.

Live au Mercury Prize :

Lisez plus d'articles de Roland Dérudet sur la Culture de l'Ecran

Serait-ce dû à son auteure et interprète, Sampa the Great ? Quelqu’un brandissant un tel nom d’impératrice ne peut avoir qu’un sacré tempérament. Et du tempérament, Sampa Tembo en a. Cette jeune femme de vingt-cinq ans, poétesse, auteure-compositrice et rappeuse est née en Zambie, a grandi au Botswana et vit aujourd’hui à Melbourne, après s’être installée quelque temps pour ses études en Californie avant d’élire domicile à Sydney, où elle a suivi une formation d’ingénieur du son. Ancestralement reliée à la musique, elle se souvient avoir chanté avec sa mère, sa famille et ses amis en Zambie et s’être ainsi fondue dans l’unisson, vivant une épiphanie qui lui fit comprendre combien le langage de la musique était universel. Adolescente, elle devient fan de Tupac et de Lauryn Hill, réalise la force des mots et de la poésie et décide alors de faire de la musique son métier, malgré des parents qui ne voient pas ce choix d’un très bon oeil, au point qu’elle leur cache la sortie d’une première mixtape en 2015.

Mixtape qui attire les oreilles de grands noms comme la chanteuse R n’B Estelle, Joey Bada$$ (qui l’a portée aux nues) ou Kendrick Lamar (ceux-ci l’invitant en studio ou pour assurer leurs premières parties) et qui ouvre le chemin à une seconde deux ans plus tard (« Birds At The BEE9 »), qui mêle avec bonheur rap et soul, traite de politique et de spiritualité, bref l’essentiel et rencontre un succès monstre dans son pays d’adoption, l’Australie. L’album « The Return » sort aujourd’hui même et a suscité une fiévreuse attente de la critique (en confère le long article que lui ont consacré les Inrocks). Avec ce premier « véritable » album, Sampa the Great a focalisé de nouveau son attention sur l’Afrique comme le montrent les vidéos filmées au Botswana et en Afrique du Sud, même si l’album a été réalisé à Sydney, et elle clame que bien des chansons de ce disque ont été inspirées par celles qu’elle chantait pendant son enfance. Définissant un vrai style avec brio, elle propose sa réappropriation de cette culture ancestrale en la déclinant via un hip hop chaleureux, dansant et décidément funky.

« Final Form » relate sa quête artistique et humaine, le chemin emprunté pour arriver à la plénitude, même s’il est constellé d’embûches, et revendique son africanité. « Great state I’m in, In all states I’m in, I might final form, In my melanin » (je suis dans un bel état, je suis dans tous les états, je pourrais trouver ma forme finale, dans ma mélanine). Musicalement, comme je le disais plus haut, c’est un hymne très old school basé sur des samples d’une chanson de 1973 des Sylvers, groupe familial funk proto-disco de Los Angeles « Stay Away From Me » et c’est brillant. Nul doute que Sampa et son producteur ont su trouver le « Get Down » idéal dans cette pépite oubliée dont je vous livre la version originale ci-dessous.

Lisez plus d'articles de Roland Dérudet sur la Culture de l'Ecran

Melissa Jefferson, alias Lizzo (de grâce, ne prononcez pas son pseudonyme à l’italienne, faites comme s’il n’y avait qu’un seul z…) est artiste depuis l’âge de 14 ans. Rappeuse, flûtiste virtuose au point d’avoir envisagé un temps une carrière de musicienne classique, actrice et auteure-compositrice, Lizzo s’est sérieusement mise au chant, alors qu’elle avait honte de sa voix, en interprétant elle-même les refrains chantés et hooks mélodiques de ses raps. Excellente décision, tant son coffre aussi surpuissant que nuancé rappelle celui des soul sistas de l’âge d’or du genre, la déesse Aretha Franklin en premier chef. A 30 ans, Lizzo est parvenue à imposer un physique et un talent réellement hors-norme grâce à son mordant, son authenticité, son indéniable générosité vocale, sa musicalité et son humour. Lizzo fait rimer « féminin » et « force » comme personne et il n’est pas étonnant que la communauté LGBTQ américaine se soit retrouvée en elle et l’ait adoptée sans réserve. Lizzo le lui rend bien, ne manquant jamais d’honorer par un concert toute protestation civique pour les droits de la communauté. Avec « Cuz I Love You », troisième album où elle se permet de poser nue sur la pochette, la native de Detroit, grandie à Houston puis établie à Minneapolis risque de devenir une star totale, et pas seulement car elle est capable de jouer de la flûte traversière en twerkant frénétiquement… 

« Cuz I Love You » est un disque finement calibré, alignant dans sa version deluxe quatorze chansons d’environ trois minutes parfaitement mémorables. Son premier album « Lizzobangers » était un véritable et furieux album de hip-hop féministe, elle a collaboré en 2014 avec son groupe rap féminin the Chalice avec feu Prince (une expérience dont elle ne se remettra jamais, clame t-elle), sorti un second album « Big Grrl, Small World » toujours très hip hop. Avec ce troisième album et une signature chez Atlantic, label soul s’il en est, ce côté est tamisé (on retrouve toutefois une autre forte figure féminine très respectée du genre, Missy Elliott, dans l’incisif hymne à l’empowerment « Tempo ») pour laisser place à une soul music moderne, en aucun cas R n’B comme on l’entend aujourd’hui, presque classique dans sa facture, très énergique et incroyablement communicative. De la bluesy chanson-titre, une bourrasque de feeling où la voix de Lizzo est réellement soufflante à « Boys », l’imparable tube hip hop dont la mélodie et les gimmicks vous restent vissés (et on se s’en plaindra pas) dans le cerveau pour la semaine, l’efficacité de l’ensemble est imparable. Mais c’est sans nul doute « Juice » qui cassera vraiment la baraque.

Cavalcade pop funk qui commence avec des accords de guitare plaqués au son 80’s, le son rutilant et dynamique de « Juice » ne saurait faire ombre à la voix puissante, pleine de soul et très physique de Lizzo, laquelle annonce la couleur dès le début « Mirror, mirror on the wall, don’t say it ’cause I know I’m cute » (miroir, mon miroir, pas la peine de me le dire car je sais que je suis jolie), dans cet hymne à l’acceptation de soi en un pied de nez mutin à la grossophobie et le sexisme ambiant. La construction du morceau est assez imparable, couplet chanté, pont parlé avec choeurs en réponse et refrain triomphant avec ces « Ya ya yee, ya ya yee » qu’on se plaira à brailler les bras en l’air. Le « juice » (le peps, l’essence) de Lizzo a des effets enivrants.

Les hasards des changements d’horaires ont fait que j’ai raté son show au TINALS le 31 mai. J’étais, il faut dire, devant l’excellent concert de Courtney Barnett. Et il m’a été ensuite impossible de rentrer dans la salle où Lizzo chantait, tant la salle était bondée, j’ai pu toutefois remarquer que le public était déchaîné et que le son était énorme. Une copine m’a dit que c’était de la balle, je la crois volontiers… Lizzo en live, ce sera pour la prochaine fois En attendant…

Lisez plus d'articles de Roland Dérudet sur la Culture de l'Ecran

Toujours très en avance, je tenais tout de même à vous faire passer mes albums préférés de 2018 avant de me tourner vers cette nouvelle année qui s’annonce plutôt intéressante du point de vue des sorties musicales.

Petit bilan tout d’abord si vous le voulez bien. Comme vous l’avez peut-être remarqué, 2018 a été assez calme ici, surtout sur la fin. Il n’est pas toujours facile d’animer un site internet au quotidien, surtout lorsque ce n’est qu’un hobby et que le temps vient parfois à manquer. Je ne peux pas vous promettre que l’année 2019 sera complètement différente, mais on va essayer d’être un peu plus actif et de continuer à publier du contenu de qualité. Ça commence d’ailleurs cette semaine avec une nouvelle rubrique intitulée « Chroniques du Levant » et regroupant les carnets de voyage d’un nouveau contributeur/globe-trotter. J’espère que ça vous plaira. Si vous avez des idées, n’hésitez pas à nous contacter pour en parler !

Concernant le classement qui va suivre, les premiers sont logiquement les albums que j’ai le plus écoutés ces 12 derniers mois. 2018 a été plus prolifique en terme de bonnes sorties que 2017 selon mes goûts. Il n’a d’ailleurs pas été très compliqué de trouver 36 albums (et même plus) pour compléter ce classement. C’était un peu plus long de créer des « duos » et certains ont moins de sens que d’autres…

Belle année pour le punk. Idles confirme avec un deuxième très bon album, Viagra Boys sort un excellent premier opus et Shame rafle la mise avec l’album de l’année sorti le 12 janvier 2018. Si vous avez l’occasion d’aller voir au moins un de ces groupes en concert, n’hésitez surtout pas.

Belle année pour la France également avec pas moins de six groupes dans ce classement (si on compte la totalité, sinon ça fait 3 et c’est déjà pas mal). Petit big up aux copains de The Scaners qui méritent amplement leur place dans ce classement. Leur premier disque est terrible et surtout, allez les voir sur scène !

Le reste se compose de néo-classiques tels qu’Arctic Monkeys, Father John Misty, Gaz Coombes ou encore Courtney Barnett. Le rock psyché est toujours là et malgré les trois albums de Ty Segall, c’est King Tuff et La Luz que l’on retrouvera dans la liste. Un peu de hip hop avec le dernier Anderson .Paak, de r’n’b avec l’excellent album de Kali Uchis ou d’électro-pop avec le Sud-Africain Nakhane qui nous offre un magnifique premier disque (et c’est très beau en concert). Et on n’oublie pas le rock indé avec Car Seat Headrest, Our Girl et les français VoX LoW.

Je crois que j’ai fait le tour, voilà le palmarès :

18 • The Scaners, The Scaners

À écouter aussi : Lakeshore, Spoon God

17 • İstikrarlı Hayal Hakikattir, Gaye Su Akyol

À écouter aussi : On, Altın Gün

16 • Vox Low, VoX LoW

À écouter aussi : Moaning,Moaning

15 • Shadow People, The Limiñanas

À écouter aussi : Superior State, Rendez Vous

14 • Joy As An Act Of Resistance, Idles

À écouter aussi : Nihilistic Glamour Shots, Cabbage

13 • World’s Strongest Man, Gaz Coombes

À écouter aussi : Giving In, Club Kuru

12 • Street Worms, Viagra Boys

À écouter aussi : Acts of Fear and Love, Slaves

11 • Tell Me How You Really Feel, Courtney Barnett

À écouter aussi : Bottle It In, Kurt Vile

10 • Stranger Today, Our Girl

À écouter aussi : Lush, Snail Mail

9 • God’s Favorite Customer, Father John Misty

À écouter aussi : Go to School, The Lemon Twigs

8 • Isolation, Kali Uchis

À écouter aussi : Dirty Computer, Janelle Monáe

7 • Floating Features, La Luz

À écouter aussi : Goat Girl, Goat Girl

6 • Twin Fantasy, Car Seat Headrest

À écouter aussi : Wide Awake!, Parquet Courts

5 • You Will Not Die, Nakhane

À écouter aussi : The Dog and the Future, Agar Agar

4 • Oxnard, Anderson .Paak

À écouter aussi : Good Thing, Leon Bridges

3 • The Other, King Tuff

À écouter aussi :  Foxwarren, Foxwarren

2 • Tranquility Base Hotel & Casino, Arctic Monkeys

À écouter aussi : And Nothing Hurt, Spiritualized

1 • Songs of Praise, Shame

À écouter aussi : Boys in the Better Land – Single, Fontaines D.C.

Auraient aussi pu figurer dans ce classement :

• Beyondless, Iceage
• The Now Now, Gorillaz
• Wanderer, Cat Power
• Balfron Promise, 47Soul
• Heaven and Earth, Kamasi Washington
• Both Directions at Once: The Lost Album, John Coltrane
• Phase II – EP, Mildlife
• Selma – Single, Treeboy & Arc (Midnight Mass est mieux mais pas sur Youtube. Groupe à surveiller en 2019 !)

Playlists YouTube, Apple Music et Spotify ci-dessous :

Lisez plus d'articles de Gus sur la Culture de l'Ecran

Donald Glover est un entertainer reconnu aux Etats-Unis et ailleurs. Il triomphe comme acteur dans la série de comédie basée sur sa ville « Atlanta », joue dans le dernier Star Wars et les plateaux de télé américains, surtout les bons tels Saturday Night Live se l’arrachent. Son alter-égo musical Childish Gambino avait connu le succès avec un troisième album solidement ancré dans la soul et le funk, « Awaken! My Love » dont est issu le tube über-sexy « Redbone » (SOTW #105). Avec « This Is America », on assiste au reboot de Childish Gambino, incarnation dont Glover se déclarait lassé il y a encore peu de temps. Avec ce retour, il semble vouloir boxer dans la même catégorie que les poids-lourds du genre, tel Kendrick Lamar, utilisant son art pour transmettre un message politique, avec finesse et pertinence. Avec ce titre et surtout cette vidéo, Glover symbolise avec éloquence et une rare efficacité la position de funambule qu’est obligé d’adopter l’artiste Noir Américain, entre porte-voix d’une communauté opprimée et star immensément populaire, et surtout auprès du public blanc.

Musicalement, « This Is America » fait aussi un grand écart. Le chant liminaire, simplement accompagné d’une modeste guitare acoustique nous ramène immédiatement dans les chants de coton, et plus loin encore vers l’ancestrale Afrique avant de céder brutalement la place à une rythmique trap (musique dont le berceau est Atlanta, et où s’incrustent les raps ironiques ou inquiets de stars du genre, Young Thug, Quavo ou Slim Jxmmi (l’un des deux frères de Rae Sremmurd). La voix de Glover servant de pont entre ces deux rives de la musique afro-américaine, alternant le côté très pince-sans-rire de son flow rap et l’exubérance de ses cris et de son chant. Un choeur gospel sert de liant tout en respectant le cahier des charges « Black music only ». C’est un coup de maître qui pointe numéro un dans les charts américains et réussira enfin à installer Donald Glover à la place qu’il mérite chez nous aussi.

La performance live ci-dessous, si elle est beaucoup plus statique que celle du clip, n’en est pas moins puissante et spectaculaire. Homme d’image, homme de musique, homme de scène, Donald Glover est l’entertainer le plus excitant du moment.

Live TV Saturday Night Live :

Lisez plus d'articles de Roland Dérudet sur la Culture de l'Ecran

Shame – Songs of Praise

Pas de surprise ici, l’album des 5 punks britons est assuré de finir dans mon top 10 de l’année. On en a déjà parlé dans la SOTW #137 (inscrivez-vous !) et la galette tourne toujours autant sur ma platine depuis sa sortie en janvier. Ils passent à la Maroquinerie en avril (complet) en compagnie d’Hotel Lux, quintette punk en provenance de Portsmouth, qui pourrait clairement avoir son dernier single, The Last Hangman, dans la bande son de Peaky Blinders ! Si vous n’avez pas votre place, shame sera en tournée des festivals cet été et repasse dans le coin cet automne. Ne les manquez pas !

King Tuff – The Other

Le 13 avril prochain sortira le quatrième album de Kyle Thomas aka King Tuff. Étrange d’écrire sur un album qui n’est pas encore disponible me direz-vous, mais c’est sans compter sur les quatre premiers morceaux du futur disque, d’ores et déjà écoutables sur les plateformes de streaming et YouTube. Quatre singles qui n’augurent que du bon et qui ont complètement le droit – que dis-je, l’obligation ! – de figurer dans cet article. On en reparlera plus longuement très bientôt, promis !

Oum Shatt – Oum Shatt

Une fois n’est pas coutume, traversons le Rhin et allons voir ce qu’il se passe chez nos voisins allemands. Avec deux ans de retard – l’album est sorti en 2016 – je découvre Oum Shatt, quatuor berlinois, au détour d’un événement facebook (leur concert à l’Olympic Café le 11 avril prochain). Leur rock influencé par les musiques du Moyen-Orient tape dans le mille et leurs performances live semblent tout aussi efficaces (cf. la vidéo ci-dessous). Belle découverte, hâte de voir ça en vrai !

Car Seat Headrest – Twin Fantasy

On ne peut décemment pas se dire attiré par le rock indé en 2018 sans parler de la bonne idée qu’a eue Will Toledo ! Le frontman (et anciennement seul membre) de Car Seat Headrest a décidé de réenregistrer complètement son sixième album, Twin Fantasy, sorti en 2011. Il faut dire que la première version avait été captée via son micro d’ordi portable… Le roi du DIY maintenant armé d’un vrai groupe a ressorti ce petit chef d’oeuvre chez Matador le mois dernier. Ca s’écoute sans modération !

En concert pour le festival Villette Sonique le 26 mai prochain en compagnie de Naked Giants (n°24 ici) au Trabendo le 26 mai prochain.

Cascabel – Cobra

Quasiment inconnus hors du Mexique, j’ai découvert ce groupe grâce à un mix découverte lors d’un voyage en bus bien trop long cet hiver. La vie nous réserve parfois bien des surprises… Bref. Quatuor mexicain, du coup, Cascabel fait ce que l’on appelle du revival 70’s fuzz-psyché. Un truc qui se rapproche un peu de Ty Segall dans l’esprit, mais avec une orientation un peu plus pop et une voix penchant du côté de Lux Interior (chanteur des Cramps, pour les incultes). Pas mal du tout !

Parmi les artistes absents de cette sélection, mais néanmoins pas oubliés, je rajouterais Rejjie Snow qui a sorti un excellent album avec Dear Annie et le dernier single d’Anderson .Paak, ‘Til It’s Over, vraiment cool. Les premiers albums de Vox Low et de Moaning sont top, tout comme le dernier The Limiñanas, ainsi que le dernier EP de Habibi. C’est tout pour le moment, on se retrouve le mois prochain, ou en juin !

N’hésitez pas à envoyer vos découvertes en commentaire !

Lisez plus d'articles de Gus sur la Culture de l'Ecran

Ainsi j’ai été étonné quand le nouveau single de The Kills s’est avéré être une cover… Venant d’un groupe aussi impeccablement rock et arty à la fois, on ne pouvait que s’attendre à un choix peu banal. Et si je les avais vus sur scène interpréter avec justesse la sublime ballade « Pale Blue Eyes » du Velvet Underground, je n’aurais pas imaginé qu’ils s’emparent d’un titre obscur du poète hip hop alternatif new-yorkais (et acteur à ses heures) Saul Williams, « List Of Demands (Reparations) ». Ce rap politique avec ce spoken word plaqué sur une distorsion punk indus qui semble avoir été inspirée par Nine Inch Nails (Saul Williams a tourné avec eux et fait ensuite un album produit par Trent Reznor) est à la fois agressif, menaçant, revendicatif et accrocheur. Pas étonnant alors qu’il figurât dans la playlist d’Alison Mosshart et Jamie Hince…

La version que font the Kills de « List Of Demands (Reparations) » ne dépare en rien du répertoire du duo anglo-américain et aurait aisément pu se trouver sur l’un de leurs derniers albums. Mieux, c’en eût été l’une des meilleures chansons. En divisant le tempo par deux, ils se sont permis de rendre ce brûlot inclassable en un parfait objet pop rock totalement cohérent avec leur style. Un rythme martial simplissime (les sourds entendront le « We Will Rock You » de Queen…), une instrumentation sobre mais puissante avec la guitare cinglante et inventive de Jamie Hince, l’interprétation vocale magistrale d’Alison Mosshart font le job, et de quelle façon. Elle est l’incarnation de la fille rock n’roll, bad girl fatale qui narguera toujours la concurrence, il est un parfait dandy doublé d’un instrumentiste unique. Quiconque a vu ce sulfureux couple à la classe insolente sur scène saura de quoi je parle. En attendant, ce nouveau single des Kills est tombé du ciel et n’est pas prêt de nous lâcher…

Original de Saul Williams (2004) :

Lisez plus d'articles de Roland Dérudet sur la Culture de l'Ecran