On se penche nécessairement sur son passé quand on atteint les quatre-vingts ans, même quand on est un inlassable artiste en perpétuelle expérimentation comme John Cale. Son nouveau single (!) édité par le label branché Domino le voit se pencher sur son amitié avec David Bowie dans les années soixante-dix. Ce dernier confessait que, davantage que Lou Reed, c’était le musicien gallois passé par l’avant-garde qui l’avait séduit dans le Velvet Underground et John Cale n’a jamais caché l’admiration qu’il portait à Bowie. Maintes fois, les deux Britanniques ont manifesté le souhait de créer de la musique ensemble. Ils ont pourtant préféré traîner leurs guêtres ensemble dans le New York interlope et noctambule des années 1974-1975 et n’auront jamais mené leur projet à bien… Pour la petite histoire, John Cale fera monter Bowie sur scène à New York en 1979, pour jouer quelques notes d’alto (!!!), leurs aventures communes s’arrêtant là. Le clip animé répétitif crée une ambiance à la « The Deuce » et rend justice à Night Crawling , entêtante chanson à la rythmique presque trip hop et à la mélodie très accrocheuse chantée d’une voix presqu’intacte, prouvant s’il le fallait qu’on peut être octogénaire et rester fringant.

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Et de l’intensité, il en déborde tout au long de Panic In Detroit, bombe sonique et l’une des cimes d’« Aladdin Sane », premier album de Bowie enregistré alors que celui-ci est devenu une star. Enregistré ça et là pendant les pauses des éreintantes et triomphales tournées britanniques et américaines qui ont suivi le succès de « The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars » entre mi-72 et début 1973, « Aladdin Sane » ne sonne pas pour autant décousu, mais offre une variété cohérente et surpuissante, sans doute grâce à ce merveilleux groupe qu’étaient les Spiders, lesquels n’ont jamais aussi bien joué qu’à la fin 72 tant ils étaient affûtés et reliés comme par télépathie après avoir assuré tant de concerts. Mick Ronson pouvait alors légitimement être considéré comme le meilleur guitariste de son temps et les Spiders ont énormément gagné quand Bowie a incorporé au groupe le pianiste Mike Garson, New-Yorkais venu du jazz dont le jeu affolant a radicalement modernisé le glam rock et a permis à Bowie de se tourner vers l’expérimentation. « Aladdin Sane » pourrait être sous-titré « Ziggy goes to America ». Le doppelgänger prend alors le dessus sur l’artiste, car c’est bien Ziggy la star et non pas David Jones alias Bowie qui restait sur le côté, observant méticuleusement le freak show et faisant son miel du spectacle pour composer des chansons souvent paranoïaques et apocalyptiques, toujours formidables. Après « Ziggy Stardust », intrinsèquement anglais avec ses délicats arrangements de cordes et son fabuleux sens de la pop, Bowie avait envie d’emphase, avec plus de cuivres, plus de chœurs, plus d’électricité, plus de drame, plus de rock… En quelque sorte, il voulait en découdre avec les Stones (obsession qui durera jusqu’à « Diamond Dogs » en 74). C’est évident avec le morceau qui ouvre l’album Watch That Man, avec le riff impérial et les solos mal peignés de Ronson, ce piano post boogie-woogie, ces cuivres pétaradants et ces puissants chœurs féminins, la voix de Bowie étant noyée dans le mix, comme l’était celle de Jagger dans les morceaux les plus rock du moite « Exile On Main Street » (1972). On trouve aussi une reprise ouvertement sexuelle, pyrotechnique, extravertie au possible du sage single des Stones Let’s Spend The Night Together. Cracked Actor est un boogie pervers et impitoyable dégoulinant d’électricité grinçante mettant un scène un acteur vieillissant essayant de séduire (voire plus) une groupie.

Panic In Detroit, dernier morceau purement rock de l’album s’éloigne un peu du style Stones pour s’approcher de celui d’une autre influence majeure de Bowie, Iggy Pop et the Stooges. Porté par un riff de guitare monstrueux doublé de wah-wah, le groupe part dans un groove tribal à la Bo Diddley, les doigts du bassiste Trevor Bolder se promènent sur le tout le manche et asseyent la mélodie, la batterie tout en cymbales rageusement frappées par Woody Woodmansey est enrichie par les congas et percussions jouées par l’ami d’enfance Geoffrey McCormack, alias Warren Peace, qui allait partager les errances américaines de Bowie, mais aussi ses aventures musicales jusqu’en 76. D’une voix de gorge aiguë et un poil affectée, Bowie raconte sa rencontre avec une figure qui ressemblait beaucoup à Che Guevara, installant ainsi un glamour mêlant rock et activisme politique d’extrême-gauche très de son temps (Bowie se plaçant ainsi parfaitement dans le Zeitgeist, en ces années du mouvement Black Panthers et de la bande à Baader, quand le poster du Che commence à orner tous les murs des adolescents occidentaux). « The only survivor of the National People’s Gang » de la chanson étant en fait un camarade d’école devenu dealer d’envergure qu’il avait revu à New York. Bowie s’inspira aussi des souvenirs des émeutes de Detroit en 67 que lui avait racontés Iggy Pop. Le tout pour créer une dystopie exaltante riche en métaphores et cut-ups à la Burroughs, style d’écriture que Bowie continuera à développer jusqu’à la fin. Le chant félin et sensuel de Bowie ajoute un côté très sexy à l’ensemble quant au final, il est dantesque. Les crépitements de percussions, les chœurs soul et furieux de Juanita « Honey » Franklin, Linda Lewis et McCormack peinant à contenir la guitare distordue en fusion d’un Mick Ronson inspiré comme jamais. On ressort pantelant de cette écoute, comme ayant l’impression d’avoir assisté à une cérémonie vaudou ou de se trouver au beau milieu d’une guerilla urbaine. Panic In Detroit figurera dans la setlist de plusieurs tournées mais Bowie n’a jamais réussi à recréer la tension incendiaire de cette version studio. Il tentera aussi d’en faire une version urgente et new-wave pour un show TV en 1979, version à l’intérêt tout relatif qu’il laissera de côté et qui ne verra le jour que comme bonus de « Heathen » en 2002.

« Aladdin Sane », album phare du glam rock et où l’on trouve les chansons les plus clairement rock n’roll de David Bowie ouvre également grand la porte à l’expérimentation. Bowie avait Roxy Music dans le viseur, groupe à la musique rétro-futuriste extrêmement sophistiquée qu’il admirait et jalousait. Ainsi, le single Drive-in Saturday et la version de The Prettiest Star (qu’il avait déjà sortie, dans une version plus soft avec Marc Bolan à la guitare en 1970) ont une saveur doo wop très fifties sans sonner nostalgiques, Time combine le cabaret Mitteleuropa de Kurt Weill et Bertolt Brecht avec les torrents d’électricité rock n’roll de la guitare (fabuleuse) de Mick Ronson, Lady Grinning Soul est une ballade hispanisante à la mélodie cotonneuse d’une rare beauté. Enfin le morceau titre exhale une mélancolie vénéneuse et rétro où explose l’invraisemblable solo de piano flirtant avec le jazz atonal et la musique latine de Mike Garson, lequel reconnaît qu’aujourd’hui encore que c’est de cette immarcescible pièce musicale vraiment décoiffante qu’on veut encore et toujours l’entretenir. La photo de Bowie qui orne la pochette, signée Brian Duffy reste son image la plus forte avec cet éclair rouge et bleu sur le visage, ses cheveux roux gelés et la goutte de mercure dans la clavicule. A vingt-sept ans, il devenait ainsi la star totale qu’il ne cessera plus jamais d’être…

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Sailors fighting in the dance hall, Oh man, look at those cavemen go. It’s the freakiest show. Take a look at the lawman, beating up the wrong guy. Oh man, wonder if he’ll ever know, he’s in the best selling show. Is there life on Mars?

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L’ordre retenu ce jour est l’ordre de ce jour, il serait forcément différent demain. Je soutiens néanmoins mordicus mon top 5, lequel fera on n’en doute pas grincer quelques dents. Alors je m’explique:

On peut arguer que « Lazarus » de David Bowie était déjà disponible fin 2015. Cependant, le décès de mon idole absolue restera l’événement le plus triste mais aussi le plus marquant de 2016. Et si je me suis replongé dans l’oeuvre Bowienne in-extenso toute l’année, « Lazarus » restera une troublante épitaphe, une chanson de passage, digne et bouleversante. Et accessoirement la réussite la plus flagrante du très bon « Blackstar ».
Avec « Formation », Beyoncé a balancé son morceau le plus fort depuis son liminaire « Crazy In Love ». Avec son gimmick minimaliste et son luxuriant refrain, cette bombe R n’B nous aura fait remuer les hanches (moins bien qu’elle, certes…) tout l’été tout en diffusant un message black et féministe qui détonera dans l’Amérique de Trump, et qu’on ne peut donc que soutenir.

Quand deux gamins de Long Island, affichant respectivement 19 et 17 ans, recréent, excusez du peu, toute la flamboyance outrée du rock des 70’s, glam rock en tête, celà donne « As Long As We’re Together », des merveilleux Lemon Twigs, qui pour le coup ont écrit leur « All The Young Dudes », et c’est magnifique.
Ils nous auront accompagné toute l’année, sur disque, sur scène en nous assénant une impeccable leçon de style. Et puisqu’il fallait choisir une chanson de the Last Shadow Puppets, j’ai opté pour la délicieuse et retenue « Miracle Aligner » que j’ai fredonnée tout au long de 2016. Alex and Miles forever.

Enfin, quelle joie de tenir enfin un nouvel enregistrement de Soulwax. Les divins frères Dewaele ont balancé ce single en forme de concept qui a défini leur retour scénique. « Transient Program For Drums And Machinery » mixe electro, pop et techno avec un savoir-faire monstrueux et oui, de l’âme. Rien que ça.

Avant de vous livrer la liste complète, je déplorerai seulement que certains artistes, que j’admire par ailleurs, refusent de jouer le jeu d’une diffusion égalitaire de leur oeuvre. Ainsi, « Blond », dernier album expérimental, exigeant et intimiste de Frank Ocean n’est disponible qu’en téléchargement, et encore, pas partout. Inutile de dire qu’il est impossible d’écouter gratuitement les chansons qui le composent sur Youtube, Soundcloud ou autre plateforme. Cette parano et ce protectionnisme m’agacent au plus haut point. Je n’ai pas moins placé la sublime et bouleversante ballade « Ivy » dans ma liste. Et, peu rancunier au fond, je vous en recommande ardemment l’attentive écoute…

30. Radiohead – Burn The Witch
29. Pixies – Tenement Song
28. CRX – Ways To Fake It
27. Mr. Oizo – Freezing Out (ft. Peaches)
26. The Limiñanas – Prisunic
25. Cat’s Eyes – Drag
24. Nick Cave & the Bad Seeds – Girl In Amber
23. The Divine Comedy – How Can You Leave Me On My Own?
22. Solange – Cranes In The Sky
21. The Strokes – Drag Queen
20. Savages – The Answer
19. The Kills – Doing It To Death
18. De La Soul – Memory Of… (US) (ft. Estelle & Pete Rock)
17. Rihanna – Work (ft. Drake)
16. Two Door Cinema Club – Bad Decisions
15. TOY – Fast Silver
14. Lescop – Dérangé
13. DJ Shadow – Nobody Speak (ft. Run the Jewels)
12. Metronomy – Night Owl
11. Frank Ocean – Ivy
10. Iggy Pop – Gardenia
09. PJ Harvey – The Wheel
08. The Shitz (aka Soulwax) – How Long
07. Beck – Wow
06. The xx – On Hold
05. Soulwax – Transient Program For Drums and Machinery
04. The Last Shadow Puppets – Miracle Aligner
03. The Lemon Twigs – As Long As We’re Together
02. Beyoncé – Formation
01. David Bowie – Lazarus

Playlist consultable, écoutable et regardable sur YouTube.

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Tout d’abord, les 30 artistes sélectionnés l’ont été de façon totalement subjective. Pas de jugement sur la qualité de la musique (tout est bon ici voyons !), la hype, le buzz, le style, le cool, seulement des morceaux choisis dans les albums que j’ai le plus écoutés cette année.

Deuxième chose, pourquoi 30 et pas 50 ? La raison est toute simple, j’ai essayé de faire un top 50, et je n’ai pas eu assez de matière pour le remplir. Je suis allé écouter quelques trucs que j’aurais pu rater, sortis cette année, je suis arrivé à 48 et je me suis rendu compte que c’était ridicule de parler de chansons qu’on a à peine entendues, parfois même pas en entier ou qu’on apprécie qu’à moitié. Je découvrirai probablement des morceaux en 2017 qui auraient pu faire partie de cet article, tant pis, c’est la vie comme disaient Stereophonics en 2015 (et qui n’étaient pas dans cet article…)

Et enfin, ce classement ne concerne, comme le nom de l’article l’indique, que des morceaux et non pas les albums dont ils sont extraits. C’est important car le retour du vinyl, entre autres, amène aussi un retour de l’album à proprement parler, différent d’une compilation de chansons sur une galette. Je ne ferai probablement pas de classement des meilleurs albums de 2016 (qui sait ?), mais sachez en tout cas qu’il serait différent.

Sans plus attendre, voici les lauréats du « Top 30 2016 by Gus » woohoo !

30 – Randy, Justice, Woman

29 – Mohammedoun, Noura Mint Seymali, Arbina

28 – Because I’m Me, The Avalanches, Wildflower

27 – Desperado, Rihanna, ANTI

26 – Whitest Boy On The Beach, The Fat White Family, Songs For Our Mothers

25 – Walk to the One You Love, Twin Peaks, Down in Heaven

24 – Stoned, Naked Giants, R.I.P. – EP

23 – Together (feat. AlunaGeorge & GoldLink), Kaytranada, 99.9%

22 – How Long, The Shitz (aka Soulwax), Belgica (Original Soundtrack)

21 – D’You Know What I Mean? (NG’S 2016 Rethink), Oasis, Be Here Now Remastered

20 – Redbone, Childish Gambino, Awaken, My Love!

19 – I Need You, Nick Cave & The Bad Seeds, Skeleton Tree

18 – Singing Saw, Kevin Morby, Singing Saw

17 – Tahabort, Imarhan, Imarhan

16 – Burn The Witch, Radiohead, A Moon Shaped Pool

15 – German Days, Iggy Pop, Post Pop Depression

14 – Heart of a Dog, The Kills, Ash & Ice

13 – Plastic Plant, Thee Oh Sees, A Weird Exits

12 – Side By Side, The Duke Spirit, KIN

11 – We the People…., A Tribe Called Quest, We got it from Here… Thank You 4 Your Service

10 – Lavender (feat. Kaytranada), BADBADNOTGOOD, IV

9 – Gamma Knife, King Gizzard And The Lizard Wizard, Nonagon Infinity

8 – Nobody Speak (feat. Run the Jewels), DJ Shadow, The Mountain Will Fall

7 – Am I Wrong (feat. ScHoolboy Q), Anderson .Paak, Malibu

6 – Used To Be My Girl, The Last Shadow Puppets, Everything You’ve Come To Expect

5 – The Answer, Savages, Adore Life

4 – Instrument, Suuns, Hold/Still

3 – Candy Sam, Ty Segall and the Muggers, Emotional Mugger

2 – Lazarus, David Bowie, Blackstar

1 – The Ministry Of Defence, PJ Harvey, The Hope Six Demolition Project

Fait intéressant à noter, mon top 10 contient 6 groupes que j’ai eu l’occasion de voir en concert dernièrement, sachant que je serais bien allé voir les 4 autres si je ne les avais pas ratés (merci La Palice) ou si Mr Bowie n’était pas mort. BADBADNOTGOOD, King Gizzard and the Lizard Wizard et Anderson .Paak sont des découvertes de cette année auxquelles j’ai accroché dès la première écoute. J’ai manqué les passages à Paris de deux d’entre eux (pas d’sous ou problème d’agenda) et j’ai eu la chance de voir Anderson .Paak à Rock en Seine. J’imagine que voir ces artistes en concert a très probablement eu un impact sur leur position finale. The Last Shadow Puppets m’ont fait pleurer (incroyable reprise de Bowie), Run the Jewels m’ont fait sauter (DJ Shadow c’est top, mais RTJ en live, salut), Savages m’ont fait transpirer (Jehnny Beth est une des plus grandes performeuses actuelles, c’est un fait), Suuns m’ont fait planer, Ty Segall and the Muggers m’ont fait halluciner (trop de puissance) et PJ Harvey (POLLYYYYY !!!) m’a bouleversé, deux fois. Je vous invite d’ailleurs à regarder son concert aux Nuits de Fourvière disponible sur le site d’Arte.

Bref, tout ça pour dire qu’écouter de la musique en streaming, en vinyl, en CD (?) c’est cool, mais peu de choses remplacent la performance de l’artiste, en personne, devant soi (IMHO, comme on dit sur les internets).

Un semblant de playlist ici, tous les morceaux n’étant pas disponibles sur YouTube. Il manque Kevin Morby et Kaytranada et il faudra pour ceux-ci cliquer directement sur le titre pour s’en mettre plein les oreilles.

Bonne écoute et n’hésitez pas à donner votre avis dans les commentaires ci-dessous, j’aime débattre.

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Jamais personne ne m’a autant fait vibrer musicalement, il va sans dire que j’ai perdu mon maître. Alors je vais littéralement m’immerger dans son œuvre, réécouter, relire, revoir pour la énième fois disques, biographies, concerts et documentaires. Car les étoiles, même noires, ne meurent jamais…

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« Lazarus« , ample ballade hypnotique et émouvante (quelle merveille de refrain !) bâtie sur des vagues de saxophones jamais cheesy (Bowie rendant ainsi hommage avec ferveur à son premier instrument) le téléporte en 1975, quand il jouait l’extraterrestre Thomas Jerome Newton dans le film de science-fiction « L’homme qui venait d’ailleurs » de Nicholas Roeg. La chanson fait partie du répertoire de l’adaptation théâtrale, actuellement représentée Off Broadway, à laquelle il a participé. Le ton, comme le texte, est d’ailleurs empreint d’une dramaturgie très présente dans l’oeuvre de Bowie, de « Ziggy Stardust » à « Station to Station ». Et c’est de première bourre à mon humble avis.

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Enregistrée à Los Angeles en 1975 avec ce qui sera sans doute son meilleur groupe (Carlos Alomar et Earl Slick aux guitares, George Murray à la basse et Dennis Davis à la batterie), la chanson titre de l’album sorti en janvier 76 est absolument épique. Bowie, vivant alors reclus sur les hauteurs de Beverly Hills, prenant des quantités himalayennes de cocaïne, combattant des démons intérieurs terrifiants ne se souvient guère de l’enregistrement de ce disque, et l’on se demande quelle force créatrice intérieure lui a permis d’accoucher d’un tel chef d’oeuvre. Seuls quatre morceaux de funk mutant robotique mais groovy à l’extrême (c’est la fin de la période américaine de Bowie et on entend son « crush » pour les austères et géniaux Allemands Kraftwerk et Neu!) et deux extraordinaires ballades (« Word on A Wing » et l’excellente reprise « Wild Is The Wind ») composent un disque dont il n’y a pas une seconde à jeter.

Quand je suis tombé à quinze ans sur ce disque chez mon amie Myriam (je lui avais fait commander au club Dial, flairant quelque chose…), j’ai connu une véritable épiphanie. Mon rapport à la musique, et donc au monde en fut complètement bouleversé.

Un bruitage de train filant à travers la plaine s’efface sous une avalanche de larsen (Slick, qui pour se faire avait relié toute une chaine d’amplis) précédant un riff de piano martial et monotone et des cocottes de guitare. La voix de baryton, dramatique et impériale clame « The Return of the Thin White Duke, throwing darts in lovers eyes ». Cette longue intro expressionniste ne ressemble à rien d’autre. Bowie raconte ses combats avec les forces occultes de son esprit, de « gare en gare » ou mieux « de station en station »  (du Christ). A mi-chemin, le tempo s’accélère et le rythme se pose en 4/4 discoïde, la guitare d’Alomar joue funk et le piano de Roy Bittan honky tonk. Bowie annonce alors son désir de retourner en Europe (« the European cannon is here »), retrouve la joie et l’excitation, est prêt à renaître. La fin du morceau est une bacchanale de guitares, celle, funky à mort d’Alomar croisant celle rock au fer rouge de Slick. C’est d’une audace absolue, totalement avant-gardiste et pourtant toujours pop et catchy, le genre de morceau qui a pu inspirer des myriades de groupes. Dix minutes de grâce où David Bowie n’a jamais aussi bien chanté (et ne chantera jamais aussi bien).

Je ne m’en lasserai jamais et je ne remercierai jamais assez David Bowie de m’avoir fait vivre un tel moment que celui où je l’ai découvert…

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Je n’ai pas de mots pour définir combien l’oeuvre de David Bowie, et l’artiste lui-même par extension ont accompagné et accompagnent toujours ma vie. Et ceci depuis l’épiphanie que j’ai connue en 1976 en tombant sur « Station to Station », qui reste mon album préféré de tous les temps. Fan inconditionnel et démiurge enthousiaste, il ne se passe pas une semaine sans que je n’écoute sa musique.

Il est donc on ne peut plus juste que je rende hommage au grand homme avec l’une de mes chansons favorites quoiqu’assez obscure de son répertoire. « Win » est issue de « Young Americans », album bizarre enregistré en 74 et édité en 75 où l’on voit Bowie se réincarner en soulboy sur la dépouille encore fumante de Ziggy Stardust. « Win » emploie les codes de la soul music soyeuse et proto-disco des 70’s, avec tempo pneumatique, cordes irréelles, guitares noyées dans le flanger et écho sur les volutes de saxophones, Bowie croone avec conviction comme si sa vie en dépendait, passant avec naturel du registre baryton au ténor, de savants choeurs (conduits par Luther Vandross, mais arrangés par Bowie lui-même) jouant aux questions-réponses avec son chant. Et si les codes si américains sont respectés à la lettre, la mélodie est par contre définitivement d’ailleurs, diffusant une mélancolie très Mitteleuropa qui n’aurait jamais pu émaner d’un compositeur américain. C »est ce décalage qui rend la chanson si attachante.

Cette merveille n’a, on se demande bien pourquoi, été jouée sur scène qu’une seule fois en décembre 74. Beck l’a reprise en version acoustique (et c’est très réussi). J’aimerais tellement chanter ça un jour…

« Me, I hope that I’m crazy »…

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